jueves, 27 de noviembre de 2014

EL TODOPODEROSO THOR (2011)



“Almighty Thor”

Dir.: Christopher Ray

Drama mitológico / Fantástico

EE. UU. / 92 Min. / Color

Digital / Producción para TV

35 Mm. / Dolby Digital.

Música: Chris Ridenhour


FX.: Megan Nicol, Joseph L. Lawson…



Guión: Erik Estenberg

Prod.: David Michael Latt, Paul Bales / The Global Asylum


Intérpretes: Richard Grieco (Loki), Patricia Velasquez (Jarnsaxa), Kevin Nash (Odin), Cody Deal (Thor), Jess Allen (Baldir), Charlie Glackin (Hundig), Chris Ivan Cevic (Himdall), Rodney Wilson (Hrathgar), Jason Medbury (Guardián del árbol de la vida), Kristen Kerr (Herja), Nicole Fox (Norn pelirroja), Leslea Fisher (Norn Rubia), Lauren Halperin (Norn morena)…

La productora Asylum especializada en hacer versiones caspa de los grandes éxitos de  Hollywod no iba a dejar de lado la “exploitation” de la adaptación del personaje Marvel “Thor” (2011).

El director Christopher Ray, retoño del psicotrónico Fred Olen ray, se las arregla para sacar el máximo provecho a los 200.000 $ de presupuesto.

De entrada se sacude la mitología Marvel para centrar su historia en las leyendas nórdicas sobre Ragnarok, la batalla final entre los dioses en una especie de apocalipsis.

Actores de segunda fila y contado uso de FX para una película de 92 minutos a la que le sobran por lo menos 20.

Un día Loki en su residencia del subsuelo en Asgard siente que se aproxima Ragnarok, así que sale a la superficie y ayudado por sus gigantescos sabuesos infernales ataca Valhalla para forzar la presencia de Odin y sus hijos Baldir y Thor.





La intención de Loki es hacerse con el legendario Mjolnir, “martillo de la imbatibilidad” que le permitirá destruir el “árbol de la vida” y reinar sobre un universo de tinieblas y muerte.

Thor escapa de su confrontación con Loki y ayudado por la walkiria Jarnsaxa se trasladan a Midgard (la Tierra) donde hay una puerta que lleva a donde se encuentran el arma sagrada y el corazón del árbol que sostiene el equilibrio de la existencia.

Pero el dios de las mentiras les sigue la pista y el escenario de la confrontación definitiva serán las calles de Los Angeles (California).

Poco que ver tiene esta película con el “Thor” de Kenneth Branagh. “El todopoderoso Thor” no tiene la grandeza de unos apabullantes efectos especiales.

Al principio tenemos unas bonitas imágenes campestres del supuesto Asgard y unas vistas de Valhalla que combinan imagen real con FX.

Loki asalta la fortaleza derrotando con facilidad a los guardias del reino equipados con armaduras de plástico. Aceptables momentos épicos. La aparición de los perros infernales tampoco está mal. Todo muy cantarín.

Odín, Thor y Balder parecen labriegos o pastores. La pelea del padre de todos con el siniestro señor de la oscuridad está bien.





Las brujas Norn son actrices de breve curriculum. Son modelos profesionales aunque en la cueva no se aprecia bien su belleza. Curioso efecto su comunicación telepática, sin dejar de tejer la red del destino.

Estimulante el personaje de Jarnsaxa (Jodido el nombrecito. Stan Lee siempre práctico abrevió con “Lady Sif”). Actriz de verdad y junto con Odin, el único personaje con carisma del film. Con un físico curtido que aporta verismo a su personaje guerrero.




Odin, el actor y ex luchador de wrestling Kevin Nash, está bien caracterizado y tiene una presencia imponente. Lástima que tiene poco tiempo para aportar su larga experiencia de secundario en películas de acción.



Richard Grieco, Loki, con su cara inexpresiva no tiene que esforzarse mucho para aparentar ser muy malo. Con miradas torvas y esbozos de sonrísas cínicas le sobra. Aunque por los callejones de Los Angeles resulta bastante fuera de lugar por mucho lenguaje grandilocuente que utilice.





Thor, el que debería ser la estrella de la película, deja bastante que desear como actor. Además su personaje parece medio tonto. Por más que le repitan las cosas no se entera y mete la pata una y otra vez hasta el punto de por su incompetencia Loki está a punto de conseguir sus fines destructivos. Físicamente es apropiado para encarnar al Dios del Trueno pero sólo eso.

“El poderoso Thor” tiene dos partes, una que transcurre en Asgard que ya he comentado y el resto del film en la Tierra.

La desfachatez de esta producción resulta casi cómica. Tenemos que seguir las andanzas de los dioses por callejones y cochambrosas plantas bajas industriales. Menudo escenario para decidir el destino del universo.



Hay algunas peleas resultonas y alguna escena movida de caos en la ciudad aunque todo demasiado reiterativo. Ver está película después de comer puede inducir al sopor.

Rompen la monotonía las bellas imágenes que vemos cuando Loki golpea el corazón del árbol de la vida, una sorprendente secuencia alegórica del apocalípsis.

Es gracioso como Thor y Jarnsaxa para pasar desapercibidos se cubren con unos abrigos que les hacen parecer pordioseros.




Muy atmosférico el camino que llega hasta el árbol y el recinto donde espera el guardián. Aunque para llegar hay que atravesar una cutre pared del almacén de un taller mecánico.

Magnífica la canción que acompaña a los créditos finales. Probablemente lo mejor de la película.

“El Todopoderoso Thor” es un film muy decepcionante. Pero tiene su gracia.
















Notas:

-Patricia Velasquez es una muy querida actriz y modelo venezolana de ascendencia española. Ha creado una fundación para la ayuda y educación a los niños indígenas. En su filmografía cabe resaltar “El Jaguar” (1996) de Francis Veber y los exitosos films de “La Momia” de Stephen Sommers.

-Kevin Nash ha desarrollado casi toda su carrera profesional en el mundo del wrestling. Como actor ha trabajado ocasionalmente en varias series de televisión. En el cine destacar su aparición como “El Ruso” en “El Castigador” (2004).







Calidad cinematográfica:  6

Psicotronia:  6

Gore:  3

sábado, 22 de noviembre de 2014

ZOMBIES PALETOS (1989)




“Redneck Zombies”

Dir.: Pericles Lewnes

Terror / Comedia / Gore

EE.UU.- 84 / 90 Min. (Montaje del director)

Video.- Entrailvisión.- Color.

Música: Adrian Bond

FX: Pericles Lewnes, Edward Bishop, George Scott, Mike Jeffries etc.







Guion: Zoofeet, P. Floyd Piranha, Fester Smellman

Prod.: Pericles Lewnes, Edward Bishop, George Scott, William E. Benson

Prod.: Full Moon Pictures, Trans World Entertainment


Intérpretes: Lisa M DeHaven (Lisa Dubois), Tyrone Taylor (Soldado Robinson), Anthony Burlington Smith (Bob), James H Housely (Wilbur), Martyn J. Wolman (Andy), Boo Teasedale (Sally), Darla Deans (Theresa), Joe Benson (Hoss), Bucky Santini (Ferd Mertz), P. Floyd Piranha (Junior), William Decker (Jethro), Pericles Lewnes (Billy Bob / Elly May), William E Benson (Jed), Allan Hogg (Coronel), Frank Lantz (Autoestopista), Joan Murphy (Knockers), Sandy Bishop (Miz Ashley), Alex Lewnes (Fester), Alice Fay Stanley (Mamá Imelda), E.W. Nesneb (Hombre del tabaco)…

Apenas hay detalles sobre como “Full Moon” se hizo cargo de la producción de “Redneck Zombies” pero dice mucho en favor del prodigioso olfato comercial de Charles Band.

Pericles Lewnes, Bishop y Scott imbuídos por el espíritu de los films de la compañía Troma decidieron un día filmar en video una comedia gore que intentaría combinar el terror de “La noche de los muertos vivientes” (1968) con la mítica serie de televisión de humor cazurro USA “Los tres chiflados”.

Contaron para ello con 10.000 $ y unos amigotes con quienes filmaban los fines de semana.

Las expectativas no podían ser peores pero a veces los sueños se realizan si el soñador pone suficiente empeño.

Troma aceptó distribuír la película y a día de hoy es uno de los títulos señeros en el catálogo de los creadores de “Toxic Avenger”.

No se acaba de entender porque “Full Moon” no se hizo cargo de la distribución después de haber apostado por el proyecto. Tal vez porque la compañía atravesaba un momento convulso entre el cese de actividades de “Empire Pictures” productora con la que había conseguido éxitos como “Re-Animator” (1985) y la creación de la nueva empresa que se iba a especializar en producciones de serie B orientadas al mercado del video. “Zombies Paletos” era perfecta para este nuevo planteamiento.





O tal vez simplemente es que estaba predestinado para que así fuera.

El planteamiento de la trama es absolutamente “tromático”:

Un bidón de peligrosos residuos tóxicos del que ningún departamento del ejército se quiere hacer cargo es trasladado de un lugar a otro por un vehículo militar. Por una carretera rural de Maryland el todoterreno coge mal una curva cuando su conductor le ofrece al perro una calada de porro y el contenedor sale despedido rodando hasta lo profundo del bosque.

Con el recipiente se tropieza el orondo Ferd que a punta de escopeta ahuyenta al soldado Robinson y se lo queda en propiedad.

Pero Ferd a su vez tiene que renunciar a su hallazgo ya que días atrás echó a perder un alambique de la familia Clemson y estos le obligan a entregarles el bidón  para elaborar esa misma noche una partida de Whiskey casero con que abastecer al vecindario, consumidores de aguardiente barato.





Jed Clemson y sus chicos son torpes y mezclan accidentalmente el contenido tóxico del recipiente con el agua para la destilación del producto.

Billy Bob con su pick up se encargará de hacer el reparto por el pueblo. Su padre y sus hermanos se quedan en el bosque y deciden probar la mezcla.

Simultaneamente Wilbur y sus amigos acampan junto al lago a pocos metros de donde está la familia Clemson fabricando la pócima.

El brebaje tiene sobre la familia de lugareños un efecto inesperado como pronto comprobarán los acampados.





Es complicado combinar el humor con el terror, sobre todo en un film de zombies, porque el resultado acostumbra a ser un zurullo que no asusta y mucho menos hace gracia.

Pero en “Redneck Zombies” básicamente el problema está en el presupuesto que da al conjunto un aspecto de serie z casposo y chapucero, con actores no profesionales y un guión que juega con el absurdo al estilo de “El ataque de los tomates asesinos” (1978) para construir una comedia de humor corrosivo que homenajea a los grandes clásicos como “La matanza de Texas” (1974) pero que al mismo tiempo es en si misma una película de horror poderoso.

Porque Pericles Lewnes suple las limitaciones con talento y sobre todo con toneladas de atrevimiento. Su buen hacer con los FX llevaron a que Troma le fichase para posteriores proyectos.

Lewnes interpreta al mejor personaje de la película, el redneck mariquita Elly May. En este contexto palurdo hay numerosas referencias al antisemitismo o al racismo como descubre el soldado Robinson que lleva sintonizada en la radio una emisora evangélica que incita a matar negros.

El retrato de la américa profunda es despiadado, vicioso, analfabeto, sucio, perverso y con la herrumbre presente por todas partes, en las casas, en los vehículos, en el alambique echado a perder…

Los chicos de ciudad que vienen de acampada tampoco se libran de la corrosiva óptica de los guionistas, son estúpidos, fanfarrones, maleducados, se drogan, mean en el lago…





Supongo que es una especie de metáfora que contra los zombies paletos la única herramienta eficaz es el desodorante.

Las referencias a la cultura del cine de género están presentes desde que se nos muestra el hospital un viernes trece. Dentro un paciente está leyendo la revista “Fangoria” que en la portada anuncia un reportaje sobre “The Texas chainsaw massacre 2” (1986).

El “Hombre del tabaco” tiene una apariencia similar a “The Elephant man” (1980) aunque en este caso es un personaje siniestro muy interesante.

Absolutamente genial la parodia del “Hitchhiker”, el autoestopista que hacía fotos con su Polaroid a quienes le recogían en “La matanza de Texas”. El diálogo que mantiene con Elly May es memorable.




Obviamente la transformación que causan los residuos radioactivos en quienes se exponen a ellos nos recuerdan a “The Toxic avenger” (1984). No por casualidad.

Si hemos disfrutado con la comicidad de la primera media hora del film es momento de pasar a cosas más serias.

Una serie de efectos de psicodélica distorsión de imagen nos muestran simultáneamente el cebollazo que se cogen los campistas con el canuto de seis papeles y la devastadora transformación de Jed, Jethro y Junior.

Por la mañana Jethro es un zombie gigante y agresivo que brama de forma terrorífica.

Los asesinatos son brutales y sin concesiones. Culminan con una escena memorable en casa de los Clemson con Ma, Pa, Elly May y Lisa. Momentos angustiosos de puro terror y gore.




Lisa, después de Elly May, es el personaje protagonista. Que nadie se deje engañar por el cartel promocional de la cinta. Es rubia, tiene curvas pero no es muy sexy que digamos.

Otros grandes momentos:

-Bob en pleno viaje lisérgico haciendo una autopsia a un zombie.



-Las visitas de Elly May repartiendo el whiskey puerta a puerta. Nos muestra un vecindario realmente curioso. Costumbrismo redneck.




-La charla del “hombre del tabaco” a los hermanos Clemson.




-El encuentro de los chicos de ciudad con el cadáver de Teresa creyendo que la ha matado un oso.




-La muerte del soldado Robinson.

-Cuando Elly May dice que se va a pescar y su hermano le pregunta: “¿tienes lombrices?”. Magistral chiste.

La banda sonora es jodidamente buena con temas country y psychobilly muy interesantes. Una joya para coleccionistas.

“Redneck Zombies” es una comedia gore de serie z que no defraudará a los aficionados al cine gamberro de la Troma o al público fiel a cualquier otro subgénero absurdo.








Calidad cinematográfica:  5

Psicotronia:  8

Gore:  8

martes, 18 de noviembre de 2014

EEGAH (1962)



Dir.: Arch Hall Sr.

Drama / Comedia

EE.UU. – 90 Min.- 35 Mm.

Monoaural / Eastmancolor

Música: Andre Brummer

Tema principal de “Eegah”: Arch Hall Jr., Alan O`Day.

Temas “Valerie” y “Vickie” Deke Richards







Guión: Arch Hall Sr., Bob Wehling.


Prod.: Arch Hall Sr., Don Schneider.


Intérpretes: Arch Hall Jr. (Tom Nelson), Marilyn Manning (Roxy Miller), Richard Kiel (Eegah), Arch Hall Sr. (Robert Miller), Bob Davis (George), Deke Richards (Miembro del grupo), Ron Shane (Detective), Addalin Pollitt (esposa de George), Lloyd Williams (Kruger), Carolyn Brandt (novia de Fishman), Ray Dennis Steckler (Sr. Fishman)…


Hace cosa de tres meses (2014 septiembre) nos dejó Richard Kiel, el mítico “Jaws” de la serie James Bond, a causa de unas complicaciones tras haberse fracturado una pierna montando a caballo.

Ver “Eegah” es una buena forma de recordarle pues en este film tuvo su primer papel como absoluto protagonista en pantalla grande.

La película nos cuenta como una noche Roxy, novia de un empleado de gasolinera que también es líder de una banda de rock`n`roll, conduciendo su alucinante Austin Healey Sprite del 58 en dirección a una fiesta tropieza con un gigantesco cavernícola. Cuando cuenta su experiencia nadie la cree pero su padre que es escritor de novelas de aventuras picado por la curiosidad decide ir a explorar.






Como Mr. Miller no regresa, Tom y Roxy van a buscarle. El gigante encuentra a la chica y se la lleva a la cueva donde vive y ya tiene al escritor como huésped forzoso.

“Eegah” es un film concebido por  Arch Hall Sr., productor y director que también interpreta al Señor Miller, para el lucimiento de su retoño Arch Hall Jr. De quien esperaba que pudiera llegar a hacer sombra a Elvis Presley. Pero el joven con su cara de niño bonito y nulos talento y carisma para la interpretación recordaba más a Archie Andrews de los comics que al Rey del Rock.

De todas formas el papel del chaval tiene momentos interesantes dentro del tono psicotrónicamente enloquecido del film, deleitándonos con un par de baladas y con una sesión de rock surf-lounge respaldado por los músicos de su banda. El soundtrack de la película en líneas generales es correcto. Inquietantes acordes disonantes en los créditos iniciales.

Como novio de Roxy se permite hacer el capullo a sus anchas con un buggy todoterreno y una radio que se enciende sola. Buscando a la chica por el desierto se encuentra con una serpiente y con un lagarto. Emocionante aventura.





Roxy, es una niña bien un poco choni, el ojito derecho de su padre de quien ha heredado el carácter aventurero. Enseñando cacha y bailando tiene la facultad de incendiar los bajos instintos en los hombres.

Miss Manning coincidió después de esta cinta con los Hall en “The Sadist” (1963) film donde el hijo del productor de “Eegah” se mete en la piel del asesino real Charles Starkweather, el mismo de “Malas Tierras” (1973) de Terrence Malick. Su carrera termina con “What`s up front” (1964), film picante escrito y coproducido por Hall Sr.

 Si uno es un poco mal pensado podría concluir que Arch Hall Sr. estaba más interesado en la carrera (y en algo más) de la actriz que en la de su hijo. Aquí había tema… pero vamos!

En “Eegah” se aprecia la cercanía entre Roxy y su padre de una forma muy particular. Hay una química entre ellos que nos depara los mejores momentos del film en la cueva del gigante.





Absolutamente psicotrónicas las imágenes del afeitado. Cuando tratan de descifrar las pinturas rupestres o saludando a los tétricos parientes del cavernícola.





Secuencias inolvidables, sobre todo con la presencia de Richard Kiel que eclipsa a todos los personajes a excepción del escritor y su hija. Inquietante el triángulo que se intuye en tan reducido espacio mientras Tom deambula por el desierto buscándoles. Roxy en principio es reacia al monstruo pero no sabemos lo que habría pasado en esa cueva si no hubiera estado delante Papá Miller.

El resto del film es un poco predecible, la historia de “King Kong” pero de andar por casa.

Aun así nos queda la llegada de “Eegah” a la zona residencial donde vive su añorada a quien busca siguiendo el olor que dejó impregnado en un pañuelo que abandonó en la cueva.




Las reacciones de la gente no son las que cabía esperar ante la presencia del gigante. Parece que la vida en California es lo bastante relajada como para que la aparición de un tipo de dos metros en taparrabos sea una anécdota que se presta más al cotilleo que al escándalo.

Y quien revoluciona de verdad al personal es la arrapieza calenturienta contoneándose al ritmo de la música que toca la banda de su novio.




A tener en cuenta las citas de La Biblia en las que el escritor se inspira para aceptar la existencia de gigantes.

“Eegah” está considerada por el crítico y estrella de la radio en USA Michael Medved como una de las 50 peores películas de la historia.

Puede que lo sea pero contiene bastantes elementos de interés como para mantenerse medio siglo después de su estreno como un film de culto.

Irresistible serie Z con un Richard Kiel jovencísimo y estelar.







Calidad cinematográfica:  5

Psicotronia:  8

Gore:  2

sábado, 15 de noviembre de 2014

EL CASTIGADOR II: ZONA DE GUERRA (2008)



“Punisher: War Zone”

Dir.: Lexi Alexander

Superhéroes / Acción / Thriller

EE.UU. / Canada / Alemania

103 Min. / 35 Mm. Digital

Color / Dolby Estéreo

Musica: Michael Wandmacher

FX.: Jason Derushie, Christophe Giraud y equipo





Guión: Nick Santora, Art Marcum, Matt Holloway

Prod.: Avi Arad, Gale Anne Hurd, Stan Lee, Jack L. Murray, Gary Ventimiglia…

Intérpretes:  Ray Stevenson (Frank Castle), Dominic West (Billy El Guapo / Puzzle), Doug Hutchinson (Jim El Loco), Colin Salmon (Paul Budiansky), Wayne Knight (Micro), Dash Miok (Martin Soap), Julie Benz (Angela), Stephanie Janusauskas (Grace), Mark Camacho (Pittsy), Romano Orzary (Nicky), Keram Malicki-Sanchez (Ink), Larry Day (Agent Miller), Carlos Gonzalez-Vio (Carlos), David Vadim (Cristu Bulat), Robert Harrop (Priest), Lynne De Bel (Madre de Micro), Cas Anvar (Cirujano plástico), T.J. Storm (Maginty)….


Lo mejor de la película “The Punisher” producida en 2004  es que nos sirvió para recuperar y valorar en su justa medida la versión de 1989 protagonizada por Dolph Lungren y estrenada en España como “El Vengador”. Aquel primer film empezaba con mal pie desde el momento en que en el uniforme del justiciero Marvel no mostraba su principal seña de identidad, la calavera. Pero en todo lo demás transmitía más respeto por el personaje que la del sosaina Tom Jane y era más oscura y violenta. Además Dolph Lungren mola y aportaba una presencia poderosa y sombría.

Tampoco es que la cinta de Hensleigh sea una mierda. Es un producto comercial para todos los públicos entretenido y con algunas buenas secuencias pero Frank Castle no puede ser un tipo que cae bien y que puede ser tu amigo. Ese no es “El Castigador”.

El antihéroe creado en los 70 por Gerry Conway, John Romita y Toni De Zuñiga es alguien que no resulta grata compañía para Daredevil o Spiderman porque no se conforma con atrapar a los malos, los mata.

“Punisher: War Zone” tiene poco que ver con el film mainstream del 2004 y bien podría ser continuación directa de la del 89. La película de Lexi Alexander se pasa por el forro cualquier concesión al gran público y adapta sin sutilezas el cómic homónimo.

Queda claro desde los títulos de crédito donde se intercalan viñetas de tebeo con imágenes de Castel preparando su arsenal de balas explosivas. No vamos a ver un film Disney.





Esto tiene aspectos positivos como son narrativa simple, precisa y dinámica, personajes imposiblemente arquetípicos, humor cafre, acción frenética y violencia tan salvaje que linda con el surrealismo.

En el debe tenemos que la realización es un tanto telefílmica y la trama tiene nula complejidad.

Probablemente si la próxima entrega estuviera guionizada por los creadores de “Breaking Bad” y dirigida por los hermanos Coen el resultado sería una obra maestra pero ¿Sería una película de “El Castigador”?

Frank Castle, el justiciero ex capitán de los marines que vio morir a su familia acribillada por unos mafiosos, mata accidentalmente a un infiltrado del FBI en una de sus operaciones contra las organizaciones criminales de la ciudad. 




En la misma batalla consigue escapar el capo Billy el guapo que después de caer en una máquina de reciclaje de vidrio ya no es tan atractivo. Billy consigue inmunidad pactando la entrega a las autoridades de otro gangster y su siguiente objetivo es vengarse de El Castigador. Saca a su peligroso hermano del manicomio y con otros dos hombres que todavía le son fieles va a visitar a la viuda del agente muerto para forzar la aparición de Castle e intentar recuperar un dinero que cree que ella podría tener en casa.

Reune a un ejército de matones y en un edificio donde ha establecido su base de operaciones se prepara para una batalla a muerte.

Si Dolph Lungren imponía con su potente físico nórdico y Tom Jane encarnaba a un personaje que podría aparecer autocaricaturizandose en algún episodio de “Los Simpsons”, Ray Stevenson está para quitarse el sombrero. Este si que acojona, este no es alguien que apetezca tener como amigo o vecino.

Stevenson tiene una presencia brutal y además interpreta a la perfección a un tipo socialmente inadaptado, obsesivo, huraño, de pelo grasiento y gesto que refleja el infierno que lleva dentro.




Cuando entra en acción sobrecoge por su sanguinaria contundencia. El efecto fantásmagorico del dibujo de su uniforme en la oscuridad es estremecedor.

Es llamativo que un film tan burro como este haya sido dirigido por una mujer. No nos extraña tanto si indagamos un poco en su biografía: campeona mundial de point fighting y kárate con 19 años, dejó su Alemania natal para residir en los USA y hacerse especialista en escenas de acción mientras estudiaba dirección e interpretación. Nada que ver con Sofia Coppola o Isabel Coixet.




Entre los secundarios tenemos a un excelente “Microchip” y al detective Martin Soap, contacto de Castel en la Policía. Budianski, el agente del FBI debería ser importante pero queda un tanto desdibujado.

El villano Puzzle está muy bien aunque nos puede recordar un poco al Joker. Tambien su hermano el loco Jim es un acierto. Un psycho altamente inestable y peligroso. Una pareja de temibles hijos de puta. Responsables de las imágenes más gore del film.




Los mejores momentos:

-El asalto a la mansión donde están reunidos los mafiosos. A partir de está escena el espectador ya se puede hacer una idea de por donde van a ir los tiros. Nunca mejor dicho.




-El rescate de Jim del manicomio. Con Pittsy, lugarteniente de Puzzle, que se guarda el bote de pastillas por si acaso.

-La intrusión de los matones en casa de la viuda del agente del FBI. Terrorífica.



-La medicina que les proporciona Frank a los narcos yamakasi.

-Puzzzle reclutando gentuza en los bajos fondos con una arenga al estilo del “Tío Sam”

-El combate definitivo en el hotel que sirve de guarida al mafioso.

Estruendosa banda sonora a base de “Nu Metal” donde destacan temas de “Slipknot”, “Rob Zombie” o “Slayer”.

“El Castigador II: Zona De Guerra” es un film políticamente muy incorrecto que lleva al cine con brutal efectividad los aspectos más extremos de la última etapa del personaje en el cómic.









Calidad cinematográfica:  7

Psicotronia:  6

Gore:  6

martes, 11 de noviembre de 2014

BALADA TRISTE DE TROMPETA (2010)



Dir.: Alex De La Iglesia

Drama / Comedia negra

España / Francia

107 Min.- Color

35 Mm. Digital

Sonido: Dolby digital.

Música: Roque Baños

FX.: Pedro Rodriguez y equipo.




Guión: Alex De La Iglesia

Prod.: Tornasol Films, La Fabrique 2, uFilm, Canal + España, Castafiore Films, TVE, Le Tax Shelter du Gouvernement Fédéral de Belgique

Intérpretes: Carlos Areces (Javier), Antonio De La Torre (Sergio), Carolina Bang (Natalia), Manuel Tallafé (Ramiro), Alejandro Tejerías (Motorista Fantasma), Manuel Tejada (Jefe de Pista), Enrique Villen (Andres), Gracia Olayo (Sonsoles), Sancho Gracia (Coronel Salcedo), Paco Sagarzazu (Anselmo), Santiago Segura (Padre de Javier), Fernando Guillen Cuervo (Capitán Miliciano), Jorge Clemente (Javier niño), Fofito (Payaso listo/tristón), Fernando Chinarro (Abuelo), Sasha Di Bendetto (Javier 1937)……

Después de tocar fondo con “Crimen Ferpecto” (2004) y resurgir lejos de lugares comunes en “Los crímenes de Oxford” (2008), Alex De La Iglesia se embarcó en este proyecto enloquecido con la idea de recuperar lo mejor de su cine y exorcizar fantasmas personales prescindiendo de su guionista habitual Jorge Guerricaechevarria y dando rienda suelta a toda su creatividad, talento, mitomanía y tendencia al exceso.

Javier es un niño que presencia como su padre, payaso de profesión, se ve envuelto casi por casualidad en una sangrienta y desigual contienda entre soldados republicanos y nacionales durante la Guerra Civil Española. El hombre es encarcelado y atormentado por la amargura inculca en la mente del niño la idea de la venganza.

Pasados los años Javier coloca un explosivo en las obras del Valle de los Caidos donde su padre a la fuerza está trabajando. Como consecuencia de este acto el hombre muere ante sus ojos y el asumirá para siempre la condición de payaso triste.

Son los 70`s, Javier ya es un hombre y busca trabajo en un circo de Madrid. El payaso tonto, que es la máxima estrella de la compañía se ha quedado sin compañero así que el payaso triste es contratado sin demasiado entusiasmo.

El nuevo miembro de la familia circense se va dando cuenta de que Sergio, el payaso tonto, es un psicópata que aprovecha su status para someter a todo el elenco a su voluntad y capricho. Especialmente doloroso es el trato que recibe su novia la bella acróbata Natalia que desde el primer momento cautivó al recién llegado con su simpatía y exuberante sensualidad.

Ella encuentra en Javier el cariño que no le proporciona el cabronazo de Sergio pero es incapaz de renunciar a él y dejar su condición de sumisa sexual.

La tensión en esta relación triangular va creciendo hasta que una noche termina por estallar.

El maquillaje ya no podrá disfrazar las heridas ni la descomposición interior de los payasos. El conflicto es irresoluble y está abocado a una confrontación definitiva.

“Balada triste de trompeta” se podría despachar como hacía Angel Martin en su espacio de crítica de cine de “Se lo que hicisteis…” con una frase: “El guión es una mierda y la película es muy mala”. Pero en este blog no nos vamos a quedar nunca en la superficie porque creemos en el trabajo y la ilusión que se deja la gente para la elaboración de una película y en esta historia hay mucha ilusión y mucho esfuerzo. 

Pero el espectador tiene que poner un poco de su parte y tratar de empatizar y entender. Mas allá de lo que vemos, del gran espectáculo visual, tenemos que disfrutar de las imágenes con los restantes cuatro sentidos y descifrar lo que se nos quiere transmitir.

La barrera que nos separa de la comprensión de la película es el enfrentarnos a ella como a una historia convencional. Error, en este film es todo metáfora y simbolismo.

Partiendo del hecho de que Alex De La Iglesia es vasco. ¿Sabes por donde voy? Si no lo pillas no hace falta que sigas leyendo.

En España hubo un conflicto armado, una carnicería que marcó a cientos de miles de familias y a sus descendientes.

Algunos de los descendientes se negaron a que las heridas dejaran de sangrar aunque hubiera muerto el dictador.

Sergio y Javier son portadores de ese estigma, el payaso tonto la España de la violencia y la miseria, el payaso triste la España que quiere pasar página y dejar atrás el odio pero no puede porque como dice el Jefe de Pista: “Es este país que no tiene remedio”

Los dos son figurantes en el circo que es la vida. Les ha tocado a cada uno un papel y no pueden escapar de su destino.

Natalia es el premio a conseguir en la disputa y al mismo tiempo la víctima entre dos enemigos irreconciliables que al final son dos caras de una misma moneda. Es la madre que se ha desangrado viendo como sus hijos se mataban el uno al otro.



Este en mi opinión es el mensaje subyacente en el argumento.

En la plasmación de esas ideas es donde cojea un poco el film. Aunque el envoltorio es brillante, emotivo y ofrece ramalazos de genialidad. Tal vez De La Iglesia debería haber sido un poco flexible, no hacer un film tan íntimo y personal y haber recurrido a un buen guionista para redondear el acabado. O no. Tal vez lo hizo siendo consciente de sus limitaciones y a sabiendas de que no le van a comparar con Buñuel, Saura, Erice o Berlanga.

Vamos primero con los detalles que no me convencen de la película.


-Me chirría escuchar la palabra “facha” en 1937. Es una palabra que deriva del término “faccioso”, que es como en la España de aquella época se denominaba a los “fascistas” leales a Franco, identificados con el “fascio” italiano. Yo no he podido aclararme respecto al momento de la historia cuando “facha” se convierte en vocablo popular. Puedo remitirme a literatura o documentos de la época como esta página del periódico “Ahora” que reproduzco aquí al lado y me remito también a mi experiencia personal. A mediados finales de los 70 ya se utilizaba la palabra “facha” por la gente joven para designar de forma despectiva a gente de ideología derechista o reaccionaria. 






Pero mi abuelo era militar retirado y vivió la época de guerra que vemos en la película. A veces me llevaba con él al bar donde se reunía con sus amistades de tertulia, vino y cerveza. Unos eran republicanos y otros franquistas. Jamás les escuché la palabra en cuestión. Sí que quedaron grabadas en mi memoria otras como: fascista, franquista, falangista, nacionales, rojo, republicano, comunista, miliciano, maquis… pero “facha” nunca. Hay que tener en cuenta que el pueblo en aquellos años, hasta los de más humilde condición, se expresaban mejor y tenían un vocabulario más extenso en líneas generales que en la actualidad.

En todo caso supongo que Alex De La Iglesia cuenta con medios para documentarse más y mejor que este humilde aficionado.



-El chiste que cuenta Sergio en el bar me decepciona porque se parece sospechosamente al que cuenta el Joker en la novela gráfica “Arkham Asylum” (1989) de Grant Morrison y Dave McKean.

-Es demasiado evidente que con “Balada triste de trompeta” el director ha retomado y ampliado ideas ya presentes en “Muertos de risa” (1999).

-Me hubiera gustado ver alguna actuación de Sergio y Javier ante el público en la arena del circo. Resulta incomprensible que no haya ninguna.








Lo bueno de la película es todo lo demás:

-La realización espectacular con secuencias muy sugestivas y muy bellas imágenes. Desde los títulos de crédito, un collage de imágenes de la cultura popular en la memoria del país.

-La historia se centra en cuatro personajes: Javier y su padre y Natalia y Sergio. El resto aunque como comparsas de apoyo están impecables. Manuel Tejada, Manuel Tallafe, Enrique Villen, Gracia Olaya… secundarios de lujo.




-Sergio un quinqui metido a payaso porque es un tipo antisocial y malasombra.

-Natalia, la bella infeliz esclava del placer necesitada de amor.




-Punto y aparte merecen Carlos Areces y Santiago Segura. El maestro y el alumno aventajado. Con permiso de un sorprendente Fofito. Gran idea de Alex De La Iglesia haberles dado estos personajes y enfrentarlos. La escena de la película de Raphael en el cine es tremenda.




-Aunque probablemente uno de los mejores momentos de la película sea el principio cuando se enfrentan los republicanos a los nacionales y Santiago Segura se abalanza de forma suicida contra una multitud de militares profesionales.




-La escena de Javier en el elefante, Sergio y el niño.

-Cuando Sergio utiliza a Javier para obtener el premio en el juego de la feria es una de mis secuencias favoritas.

-Javier animalizado y convertido en sabueso de caza.





-La transformación del payaso triste, entrañable aproximación al fantaterror clásico y eterno.

-Toda la parte final, brillante in crescendo que termina amargamente.



“Balada Triste De Trompeta” es una película muy humana porque con sus defectos y  virtudes le coges cariño. 
El cine entendido de esta forma arriesgada e imaginativa es el mayor espectáculo del mundo.



Notas:

-Esta película se realizó en parte en la “Ciudad de la Luz” de Alicante. Será muy lamentable que la crisis y la corrupción se lleven por delante este gran proyecto.

-En 2010 se estrenó también el film de Emilio Aragón “Pájaros de papel”. Una película que en ciertos aspectos tiene bastante que ver con “Balada triste de trompeta”. Más formal pero bastante recomendable.











Calidad cinematográfica:  7


Psicotronia:  7


Gore:  6