domingo, 28 de diciembre de 2014

NINJA ASSASSIN (2009)



Dir.:  James McTeigue

EE. UU. / Alemania.

Artes marciales / Thriller / Gore.

99 Min.- Color.

35 Mm. Digital

Dolby DTS

Música: IlanEshkeri

FX.: NikkieGrimshaw, Barry Best, James Crowley etc.




Fotografía: Karl Walter Lindenlaub

Guión: Matthew Sand, J. Michael Straczynski, Matthew Sand.

Prod.: Andy Wachowski, Larry Wachowski, Grant Hill, Joel Silver

Prod. Co.: LegendaryPictures, DarkCastleEntertainment, SilverPictures, AnarchosProductions.


Intérpretes: Rain (Raizo), Joon Lee (Joven Raizo), Jonathan Chan-Pensley (YakuzaHenchman), Ill-Young Kim (Yakuza Mohawk), Yuki Iwamoto (Yakuza Couch), Ben Miles (Maslow), Naomie Harris (Mika), SungKang (Hollywood), Linh Dan Pham (Asesina Ninja), FangYu (Jefe Lavandería), Adriana Altaras (Casera), Shô Kosugi (Ozunu), Kylie Goldstein (Joven Kiriko), Sungwoong Yoon (Niño Raizo), Eleonore Weisgerber (Sra. Sabatin), Wladimir Tarasjanz (Aleksei Sabatin), Randall Duk Kim (Maestro tatuador), Anna Sawai (Joven Kiriko), Rick Yune (Takeshi)…



Me cuesta entender que el director de la excelente adaptación de la genial obra de Alan Moore “V de Vendetta” (2005) sea el mismo realizador de “Ninja Assassin”. La única explicación que se me ocurre es que los productores se involucraron a fondo en el guión y en la puesta en escena de la primera mientras que para la segunda confiaron estos menesteres a Matthew sand, un ayudante de dirección aficionado a las artes marciales y el resultado les gustó tan poco que seis semanas antes de empezar el rodaje tuvieron que pedir ayuda a J. Michael Straczynski, otro guionista para tratar de enderezar el proyecto en tan solo 53 horas.

Con el tiempo disponible y el material que tenía entre manos James McTeigue hizo lo que pudo. No creo que esté orgulloso del resultado.

Ozunu es una secta que desde tiempo inmemorial recluta o secuestra niños para entrenarlos en la disciplina ninja. Raizo, disconforme con la tiranía del líder abandona el clan.

En Berlin, la agente Mika está inmersa en la investigación de unos brutales asesinatos. Siguiendo las pistas llega a la conclusión de que detrás hay una poderosa organización en la sombra. Sus compañeros no la creen pero consigue descubrir el rastro de unos pagos producidos en el entorno de quienes se podían haber beneficiado de las muertes.

Consigue entrevistarse con la familia de una de las víctimas que le da una grabación de video que confirma sus sospechas.

Ozunu está al tanto e intentará disuadir por las bravas a la mujer para que cese la investigación pero Raizo que está enfrentado con su antigua familia se pone de parte de la agente.

Ahora los dos están amenazados de muerte.



Este argumento tenía muy buenas posibilidades pero incomprensiblemente los aspectos más interesantes se quedan en un endeble esbozo. Las desapariciones de niños, los contactos de oriente con las mafias y gobiernos de todo el mundo son aspectos que bien desarrollados contribuirían a dar solidez a la película.

Las imágenes en flashback de Raizo en la fortaleza escuela son deslumbrantes en cuestión de imagen pero están a años luz del encanto que destilaban films como “Las 36 cámaras de Shaolin” (1978). Ni siquiera tienen la fuerza dramática de las vivencias del “pequeño saltamontes” en la teleserie “Kung Fu” (1972-75). Todo es frío y no empatizamos con los personajes o sus vivencias.

La huída del protagonista con la chica perseguidos por los malos es un argumento clásico del cine de acción. Lo hemos visto infinidad de veces de forma más original, emocionante o divertida. En “Ninja Assassin” está presente el espíritu de films de los 80 como “Commando” (1985) y es triste que ni siquiera llegue a entusiasmarnos como en la película protagonizada por Schwarzenegger sino que caiga en el tópico desangelado pareciéndose más a cualquier zurullo hediondo de los que emiten “La Sexta” o “Quatro” los domingos por la tarde.

Por cierto, el nombre del personaje que interpretaba Arnie en la peli de Mark L. Lester es John Matrix. 

Difícilmente hay drama cuando por mucha sangre que salpique la pantalla los protagonistas salen adelante por muy feas que se pongan las cosas. El espectador se pasa toda la película esperando que maten al odioso “Maslow” que aguanta hasta el final llegando a tener un protagonismo nauseabundo.

Hablando del final, es bastante penoso que  la peligrosísima sociedad secreta no se entere de que su guarida va a ser asaltada y que después de haber demostrado durante el resto del metraje unas capacidades casi sobrenaturales no puedan hacer frente al ataque con la eficacia que les suponíamos.

A grandes rasgos estos que acabo de describir serían los aspectos fallidos del film.

Lo bueno es que los hermanos Wachowski pusieron toda la carne en el asador respaldando al director y al equipo técnico para que no se reprimieran en el uso de la violencia y el gore aunque la cinta fuese clasificada “R”, restringida para adultos, por la Motion Picture Association of America's Film-rating System.

Así pues en las escenas más extremas, combates y asesinatos tenemos lo mejor de la película con momentos absolutamente impresionantes tanto en el aspecto visual como en el del sonido (el vuelo de los shurikens).



En el prólogo ya se nos deja claro que el espectador timorato es mejor que salga corriendo del cine, apague su reproductor o cambie de canal.

La secuencia del tatuador y el grupo de mafiosos que reciben el sobre con la arena negra es muy impactante.





La imagen que se nos ofrece de los ninjas como criaturas casi mitológicas que se mueven entre las sombras es muy interesante. Silenciosos y mortíferos, una amenaza invisible imposible de enfrentar para sus víctimas.

Es sorprendente lo bien que encaja el surcoreano cantante y bailarín Rain en el personaje de Raizo. Su interpretación es magistral.

También lo es la del Señor Ozunu, el actor Shô Kosugi. Verdaderamente temible y sádico. La lucha final con Raizo es magnífica. Veterano actor de cine de género que se las tiene que ver con Rutger Hauer en “Furia Ciega” (1989) y que debutó como actor en “El Padrino II” (¡!) (1974).

Ibamos adentrándonos en aspectos interesantes con las investigaciones de Mika y la conversación y los sucesos en casa de los Sabatin. Una inquietante amenaza tomaba forma y nos sentíamos incómodos. Lástima que todo quedó en momentos aíslados.



Brillante repertorio de técnicas de cuerpo a cuerpo y variopintas muestras de los arsenales que suele utilizar un ninja para sus actividades de matarife.

La escena de la pelea en los lavabos recuerda a la de “Casino Royale” (2004) cuando Bond obtiene su licencia para matar. Salvaje.

La emboscada en la lavandería, en el apartamento de Mika o el asalto al edificio donde está preso Raizo  y los combates a muerte durante la huída son algunos de los mejores momentos del film. 



En estos pasajes se aprecia el poderío financiero de los hermanos Wachowsky y son por los que vale la pena ver esta película. Coreografías llevadas al límite por las calles de Berlin de noche con decenas de ninjas intentando matar al héroe mientras unos y otros esquivan Mercedes y Wolkswagenes.



“Ninja Assassin” podría haber sido un referente para el cine moderno de artes marciales pero se queda en un festival de violencia sostenido apenas sobre un flojísimo guión. Eso si, un festival de cinco estrellas que colmará las exigencias de cualquier aficionado al género.








Calidad cinematográfica:  7

Psicotronia:  8

Gore:  8

martes, 23 de diciembre de 2014

CRIPPLED AVENGERS (1978)



Aka: “Avengers Handicapped”, “Return of the 5 Deadly Venoms”, “Chaan Kuet”, “Mortal Combat”, “Combate Mortal”…

Dir.: Cheh Chang

Hong Kong.- Artes Marciales.

100 Min.- Color.

Sonido Monoaural

35 Mm.- Shawscope

Música: Yung-Yu Chen

FX:  Hsu-Ching Wu


Fotografía: Hui-chi Tsao

Guión:  Cheh Chang; Kuang Ni.

Prod.: Mona Fong; Runme Shaw; Lieh Chen.

Prod. Co.: Shaw Brothers


Intérpretes: Kuan Tai Chen (Dao Tian-du), Feng Lu (Dao Chang), Philip Kwok (Chen Shuen), Meng Lo (Wei Jia-jie), Chien Sun (Hu Ah-Kuei), Sheng Chian (Wang Yi), Jamie Luk (Tinan Tiger 3), Miao Ching (Li Jing-ying), Lung Wei Wang (Wan), Dick Wei (Tinan Tiger 1)…


La “Pandilla Veneno” (“Venom Mob”) fueron un grupo de actores formados en la Peking Opera School de Taiwan, escuela de artes marciales y acrobacias orientadas a la interpretación.

El director Cheh Chang fascinado con el talento artístico que demostraban se los llevó a Hong Kong para hacerlos protagonistas de algunas de las mejores películas producidas por la factoría Shaw Brothers.

Los roles que solían hacer acordes con la particularidad de sus habilidades eran:
Kuo Chui (lagarto), Lu Feng (ciempiés), Chiang Sheng (estudiante), Sun Chien (escorpión), Lo Mang (sapo), Wei Pai (serpiente)

Alguién se preguntará ¿qué tiene que ver un estudiante con animales venenosos? Yo que sé. Bueno, algunas estudiantes conocí en tiempos de instituto que podían ser bastante peligrosas. Algunas hasta estudiaban.

Sirva esta introducción para quienes sean neófitos en el fascinante mundo del cine de artes marciales y situarles ante los comentarios de esta película. De entrada ya pueden tener claro porque este film titulado originalmente “Crippled Avengers” es también conocido como “Return of the 5 Dealy Venoms” sin que se haga referencia durante todo el metraje a toxina animal alguna. Si bien en la trama uno de los protagonistas es obligado a tomar un bebedizo que le hará perder el habla y la audición.





Palacio del Señor Dao Tian-Du, un día cualquiera es asaltado por los “Tres Tigres de Tian Nan”. El dueño de la casa está ausente así que estos salvajes concluyen que para hacerlo regresar nada mejor que una provocación a la que que no se pueda resistir: el asesinato de su esposa a quien cortan las piernas  y la amputación de los brazos hasta el codo de su hijo.




No tienen que esperar mucho. Apenas han pasado unos segundos cuando aparece Dao que se despacha a gusto con sus agresores utilizando la técnica invencible del “Black Tiger Fist” y sus tres ataques mortales.

Desde ese día el hombre se convierte en un cacique resentido y cruel.

Manda fabricar unas prótesis de hierro para sustituir los miembros cercenados de su hijo y le enseña a practicar kung-fu de forma despiadada.

El Señor Dao saborea la venganza bastante fría sobre los hijos de los de Tian Nan, los ha dejado aprender kung fu durante años para que cuando su hijo estuviera preparado los dejase incapacitados fracturando sus miembros (brazos y piernas).

Altivo, tiene aterrorizada a la ciudad cuando se muestra en público con su guardia personal y su hijo. Como si fuera un dios vengativo aprovecha su poder para aplicar la ley del talión a su retorcido antojo.

Le hacen un comentario sobre los ojos del cielo que contemplan sus actos y deja ciego al pobre tipo.




Al herrero por hablar mucho y de forma impertinente lo enmudece y para que no escuche como alguien pueda maldecirle por su maldad lo deja sordo.

A otro por tropezarse con él le dice: “Si no tienes cuidado al caminar perderás las piernas” y manda que se las corten.

A un discípulo de la escuela de la Mansión del Aguila que va a interceder por los agredidos lo ata a un poste y ante la pregunta “¿crees que soy idiota?” le aplica en el cráneo una especie de garrote vil y lo deja tonto de por vida.




De forma canallesca ha prohibido a la población que contrate los servicios del herrero que había cobijado a los que como él habían sido incapacitados así que ante la falta de perspectiva deciden emprender viaje hacia la ciudad de donde vino Li Jing Yin, el luchador que ha quedado mentalmente lisiado.




Allí el maestro de su amigo los entrenará a todos durante tres años para aprender a superar sus problemas físicos y practicar kung fu del más alto nivel.

Cheh Chang es un director fundamental en el cine de artes marciales de Hong Kong.

Estiloso y perfeccionista encajaba perfectamente en los estudios Shaw. Muchas de sus películas son clásicos indiscutibles que han influenciado a posteriores grandes estrellas como Jackie Chan además de lanzar a la fama a leyendas que estuvieron bajo su tutela como Jimmy Wang Yu.

“Crippled Avengers” es una de sus obras cumbre.

Empieza de forma vertiginosa con un prólogo brutal que sustenta toda la trama posterior: una venganza que desencadenará otra venganza.

No hay medias tintas, todo es directo pero al mismo tiempo disecciona personajes y contexto social de la época. Los diálogos y las reflexiones en voz alta son casi poéticos, en consonancia con el colorido y la planificación casi teatral de las escenas. Se combinan el folclore chino tradicional con el drama shakespiriano y el surrealismo.

Las increíbles coreografías ejecutadas por los actores de  “The Venom mob” resultan hipnóticas. Hay una en particular, la que ponen en escena el tonto y el sordomudo con los aros de metal con fondo de orquestación oriental, que podría encajar perfectamente en cualquier comedia musical clásica de Gene Kelly.













Las peleas en la taberna son delirantes, con grupos de combatientes que van y vienen.

La desbordante creatividad del director nos ofrece momentos épicos y de suspense como cuando el herrero sordomudo escondido no puede avisar al ciego de que le han preparado una emboscada con escudos de metal que hacen un ruído infernal.

Aparecen personajes extraños como el arquero que dispara bolas en vez de flechas o el tío Jiu que endurece su cuerpo hasta ser casi invencible.




El surrealismo campa a sus anchas. Los brazos mecánicos del hijo de Dao son altamente psicotrónicos. El herrero suple la falta de oído con brazaletes espejados para ver lo que ocurre a sus espaldas. El ciego le escribe con el dedo sobre la palma de la mano las palabras que no puede oir. Al cojo le fabrican unas piernas de hierro...

El viaje en el carrito hasta la Mansión del Aguila es tragicómico y tierno a la vez.




Probablemente Cheh Chang estaba influído por “El Topo” (1970) de Jodorowsky. Hay claras coincidencias entre el cine de artes marciales y el western. Las venganzas, los terratenientes que violan la ley y abusan de los campesinos, los héroes solitarios, los escenarios agrestes o desérticos donde se dirimen duelos a vida o muerte, las tabernas…

Algunos cronistas apuntan a que la exaltación del compañerismo entre hombres y la exhibición física (de cintura para arriba) de los portentosos cuerpos de los protagonistas tienen mucho que ver con la homosexualidad del talentoso realizador.

Pero la sangre no es rosa sino rojo chillón y bastante abundante en esta historia. No es un gore muy explícito pero resulta básico en un drama como este.




El final está bien, con una lucha final espectacular aunque me hubiera gustado que fuese algo más apoteósico para dar un colofón memorable a tan extraordinario film.

“Crippled Avengers” es una obra maestra de la vieja escuela de las artes marciales.






Calidad cinematográfica:  8

Gore:  6

Psicotronia:  8

jueves, 18 de diciembre de 2014

LA ULTIMA CASA A LA IZQUIERDA (2009)



“ The Last House On The Left ”

Dir.: Dennis Iliadis

EE. UU.- Terror.

110 / 114 (Uncut) Min.

Color.- Dolby Digital.

35 Mm. Procesado a Digital

Música: John Murphy

FX.: KNB EFX GROUP / Greg  Nicotero, Howard Berger, John Wheaton & equipo.





Fotografía: Sharone Meir

Guión: Adam Alleca, Carl Ellstworth.

Prod.: Wes Craven, Sean S. Cunningham, Marianne Maddalena.

Prod. Co.: Rogue Pictures, Scion Films, Crystal Lake Entertainment, Midnight Entertainment.


Intérpretes: Garret Dillahunt (Krug), Michael Bowen (Morton), Josh Cox (Giles), Riki Lindhome (Sadie), Aaron Paul (Francis), Sara Paxton (Mary), Monica Potter (Emma), Tony Goldwyn (John), Martha MacIsaac (Paige), Spencer Treat Clark (Justin), Usha Khan (Maid).

Hacer un remake de una película fundamental para el género del terror tiene el riesgo de que no llegue al nivel de la original. También puede ser que importe poco el resultado final si se trata de un proyecto realizado con la única intención de conseguir un rentable éxito comercial.

Esta revisión del film de 1972 está producida por Wes Craven y Sean S. Cunningham creadores de la película original y que nunca han tenido problemas en revisitar sus grandes éxitos para exprimir hasta el último dólar con segundas, terceras, cuartas partes o nuevas versiones.

Así que tenemos un film bastante aseado acorde con los tiempos que corren pero soso, impersonal y de nula creatividad.

No sólo no resiste la comparación con la primera película sino que está muy por debajo de films actuales como “Martyrs” (2008), “Hostel” (2005) o la venenosa “Secuestrados” (2010) de Miguel Angel Vivas.

Hay aficionados que no soportan el aspecto descuidado de aquella “Ultima casa…” de hace ya 42 años pero por lo menos Wes Craven era capaz de mostrarnos un vehículo circulando por una carretera. Dennis Iliadis no es capaz ni de eso a pesar de contar con un presupuesto de 15.000.000 de dólares, bastante superior al de 87.000 $ con que tuvo que trabajar Craven.

Dejemos las comparaciones y veamos que ofrece esta producción del 2009 concebida para convertirse en un “blockbuster”.

El Dr. John y su esposa Emma viajan a pasar las vacaciones con su hija Mary a una casa que tienen junto a un lago. Hace tiempo que no van por allí porque la muerte de su hijo menor fue un golpe del que necesitaron tiempo para recuperarse.

Mary tiene amistades por la zona y al poco de llegar va a visitar a su amiga Paige que despacha en una tienda del pueblo. Allí conocen a un chico medio tonto que las invita a fumar marihuana en el hotel donde está alojado. Cuando les entra la risa tonta van haciéndose colegas y se olvidan de todo. De improviso llegan Krug, el padre del chico, el tío Francis y Sadie, compañera de Krug. Son fugitivos de la ley y como su imagen sale en el periódico deciden que hay que continuar el camino llevándose a las chicas en el Chevrolet Tahoe 95 todoterreno de Mary.




Por el camino Mary consigue provocar un accidente y el auto acaba estrellado en el bosque cerca del lago. Paige intenta escapar pero la cogen. Después es Mary quien malherida escapa, se arroja al agua y huye nadando. Los delincuentes le pierden la pista dejándola por muerta.





Perdidos en el bosque y bajo una fuerte tormenta, los fugitivos buscan refugio y lo encuentran en una casa donde son atendidos por una pareja que esperan que vuelva su hija que salió por la mañana y desde entonces no ha dado señales de vida.

Pronto se dan cuenta de que los anfitriones son los padres de la chica y John y Emma sabrán que sus huéspedes tienen mucho que ver con lo que le ha pasado a su Mary.

Hay telefilmes de sobremesa con guiones más precisos que el de esta película, con personajes más sólidos y con motivaciones más creíbles. Los peligrosos criminales parecen modelos publicitarios de ropa vaquera. Son ridículos. La fotografía es buena pero la realización deja bastante que desear. Es rutinaria y vulgar. Toda la primera parte del film está a años luz del insano ambiente de maldad que pisoteaba el encanto hippie en la película original a base de irracional violencia psicopática y humor negro hillibilly.  Aportan poco morbo las imágenes sexys del cuerpecito post púber de la protagonista.

En la casa la situación mejora un poco. La sensación de claustrofobia está bien lograda en el tira y afloja entre los personajes previo a la explosión de violencia. Destaca sobre todo Emma calentando la situación con Francis, un Aaron Paul entrañablemente hijoputesco.





Hay buenos momentos gore como no podía ser de otra manera contando con los servicios de Greg Nicotero.

La sorpresa final es todo un homenaje que se hacen Craven y Cunningham rememorando la brutalidad en los films de los 80 aunque resulte una escena un tanto gratuíta y poco coherente con la historia tal y como se nos han descrito a los protagonistas.

Otro problema del  film es que llega un momento en que sabemos que por muy mal  que lo pasen habrán unos personajes que saldrán adelante y otros que tendrán su merecido por malos o por tener hábitos desaconsejables.





“La última casa a la izquierda” versión 2009 recuerda más a los films de la serie “Viernes 13” que a su antecesora de 1972. Guión plano y personajes vacíos al servicio de un suspense y un terror supeditado al gore y al imprevisto. Atrevida pero sin traspasar los límites de lo permisible.







Calidad cinematográfica:  6


Psicotronia:  6


Gore:  7

martes, 16 de diciembre de 2014

RITOS SATANICOS (1990)




Aka.: “Initiation: Silent Night, Deadly Night 4”, “Bugs”.

Dir.: Brian Yuzna

EE. UU.- 90 Min.- Terror.

Video.- Dolby.- Color.

Música: Richard Band

FX: Screaming Mad George

Fotografía: Philip Holahan




Guión: Richard N. Gladstein, Brian Yuzna, Arthur Gorson, S.J. Smith, Woody Keith.

Prod.: Richard N. Gladstein, Arthur Gorson, Peter Teschner, Ronna B. Wallace.

Prod.: Silent Films Inc., Live Video.


Intérpretes:  Clint Howard (Ricky), Neith Hunter (Kim), Tommy HInkley (Kim), Hugh Fink (Jeff), Richard N. Gladstein (Woody), Reggie Bannister (Eli), Allyce Beasley (Janice), Glen Chin (Jo, el carnicero), Maud Adams (Fima), Jeanne Beates (Katherine), Laurel Lockhart (Ann), Ben Slack (Gus), Conan Yuzna (Lonnie), Marjean Holden (Jane), Ilsa Setzoil (Li), David Wells (Detective Burt), Dani Klein (Mujer en librería)…

El director filipino Brian Yuzna con sus seis primeras películas se reveló como uno de los valores más sólidos del moderno cine de terror hasta que en 2001 se hizo co-responsable de la productor española “Fantastic Factory” donde realizó la estimable “Faust” (2000) y “Beyond Re-animator” (2003) segunda parte de “Re-animator” (1985). Lamentablemente su actividad como productor le llevó a espaciar cada vez más sus proyectos personales y su carrera no ha llegado a tener la solidez que apuntaban sus comienzos.

“Ritos Satánicos” es su tercer trabajo. Cuarta secuela de la serie que empezó con “Noche de Paz, Noche de Muerte” (1984). Yuzna decidió mandar a tomar viento al Santa Claus asesino y crear una historia diferente que tendría como nexo con el resto de la saga que la acción transcurre en navidad y que en una secuencia vemos imágenes en una TV de uno de los films predecesores.

Kim y Hank trabajan en la redacción de un periódico. En los ratos libres son amantes. En la ciudad se ha producido un suceso extraño, una mujer se ha tirado desde lo alto de un edificio en lo que parecería un suicidio sino fuera porque su cuerpo estaba en llamas. A kim le llama la atención e intenta que el director le confíe la realización de un reportaje. Como no lo consigue empieza a investigar por su cuenta y hace amistad con Fima, que tiene una librería y un apartamento en la misma finca desde donde la mujer saltó de la azotea.





Fima es como la lideresa de un grupo de mujeres que idolatran deidades femeninas como Isis o Lilit.

Kim siente que empieza a perder el control de si misma bajo la influencia de sus nuevas amigas. Intenta refugiarse en su relación con Hank pero la secta no se lo va a poner fácil.




Esta película filmada en video estaba destinada a editarse directamente para el mercado del VHS pero Yuzna se tomó el proyecto bastante en serio.

El film empieza con unos títulos de crédito acompañados por una intranscendente melodía ochentera que va cambiando hacia un sonido clásico del cine de suspense sobre unos dibujos en espiral que crean un ambiente muy sugestivo.

La  realización es seca y directa, recuerda al estilo de Tobe Hooper. No parece casualidad que en febrero del mismo año se estrenara “Combustión espontanea” (1990) del realizador de “La matanza de Texas” (1974). En el film de Yuzna también se aborda tangencialmente el tema de las llamas en los seres humanos.

En los mejores films de Yuzna hay presencia de sexo y suelen haber actores y actrices con muy buena planta. La protagonista de “Ritos Satánicos” es muy guapa y tiene un cuerpo de escándalo como podemos ver en la atrevida escena en la que retoza con su novio Hank a la hora del almuerzo.

Y el tema no se ciñe solo a la exhibición de anatomía, el director se revela como un aventajado seguidor de las ideas de Cronenberg sobre la “carne nueva”, la transformación de la mente y del cuerpo, haciendo experimentar a Kim unas situaciones mórbidas entre la realidad y la alucinación. Hay unas claras referencias a “Videodrome” (1983) con el mensaje que manda Fima a través del televisor mientras Kim contempla aterrada como se le deforman las manos.




Resulta inteligente, original la forma en que la librera va seduciendo a la periodista dedicándole cariñosas muestras de afecto hasta tenerla sometida a un dominio materno filial. Yuzna convierte en algo perverso actos de la mayor naturalidad entre dos mujeres.

La joven redactora se encuentra en el caldo de cultivo perfecto para ser captada por una secta. Su novio no la toma muy en serio, los compañeros de la redacción y el director son unos bordes machistas. Para rematar la situación el padre de Hank es más de lo mismo pero elevado a la enésima potencia como demuestra en la visita que hace la pareja a la casa de él para presentar a la chica como novia oficial. El chiste de la cerveza es de lo peor y define al personaje.

Ya hemos mencionado como el cine de Yuzna puede recordar al de Hooper. Hay un momento en “Ritos satánicos” en que se desata “la infernal máquina del terror” y ya no hay pausa, se van sucediendo los acontecimientos cada vez más frenéticamente hasta el desenlace final.

Coincide con las primeras visiones que tiene Kim de cucarachas en su casa. Después con la repulsiva primera fase de la iniciación en el domicilio de Fima.
La cosa se acelera cuando se presenta el infame Ricky en el dormitorio de la protagonista que tiene dominado en la cama a un sorprendido Hank. Se produce una pelea memorable.




La segunda parte de la iniciación nos acerca al final entre sangre, viscosidad,  cucarachas y escarabajos. Magníficas escenas gore creadas por el especialista Screaming Mad George. El edificio donde tiene Fima su madriguera se convierte en un universo de pesadilla.





“Ritos Satanicos” es una película de terror que resultó muy superior a lo que se esperaba de ella. Un clásico de Brian Yuzna.



Notas:

- Notables secundarios como Reggie Bannister, el caramelero de la saga “Phantasma” (1979),  Allyce Beasley, la secretaria Agnes de “Luz de Luna”,  Maud Adams ex chica Bond o la tremenda Marjean Holden, bellezón experta en artes marciales, aunque en esta película luce poco.

- Clint Howard es uno de esos actores que llevamos viendo toda la vida en cine y TV en papeles poco agradecidos. En “Ritos Satánicos” tiene un rol desagradable pero muy importante.










Calidad cinematográfica:  7

Psicotronia:  7

Gore:  7

miércoles, 10 de diciembre de 2014

LA REVANCHA DE LOS MUERTOS VIVIENTES (1987)




Aka: “La Revancha des Mortes Vivantes”, “Gritos de Ultratumba”, “The Revenge of the Living Dead Girls", “Los Muertos Vivientes”….

Dir.: Peter B. Harsone

Terror / Zombies

Francia.- Color.

76 Min. / 82 Min. Uncut.

Música: Christopher Ried

FX.: Benoît Lestang




Fotografía: Henry Frogers

Guión: John King / Edgar Wallace

Prod.: Samourai Films


Intérpretes: Véronique Catanzaro, Kathryn Charly, Sylvie Novak, Anthea Wyler, Laurence Mercier, Patrick Guillemin, Gábor Rassov, Christina Schmidt, Cornélia Wilms, Michel Tugot-Doris….

¿Quién puede entender los criterios que siguen las distribuidoras en España para rebautizar las películas? ¿Por qué si una película se llama “La revancha de las muertas vivientes” hay que cambiarle el nombre y titularla como “La revancha de los muertos vivientes”? ¿Acaso pensaron que el público español no mostraría interés por zombies de sexo femenino? ¿O que en el más allá las mujeres tienen que estar también en la cocina y no perder el tiempo en ridículas revanchas porque eso es cosa de hombres?

En Argentina por ejemplo, puestos a retitularla, optaron por no meterse en terrenos pantanosos y hacer un cambio radical estrenándola como: “Gritos de ultratumba”.

Y es que en esta producción francesa aparecen tres zombies y los tres son mujeres.

En este curioso, sorprendente y estimable film la realización deja bastante que desear. Es poco imaginativa y abundante en planos medios pero tiene otros alicientes.

En algunos momentos parece que estamos viendo una película porno softcore europea. Las actrices son muy hermosas con un punto ordinario. La trama propicia escenas de sexo que van del erotismo fino al puterío grosero.

La fotografía es luminosa y los escenarios exteriores bonitos. Las escenas de interior en apartamentos y oficinas reflejan cierto cutrerío. No así en el bar o en la Iglesia, agradables ambientes típicos de la Francia rural.

¿Son compatibles el policiaco costumbrista de Simenon, el gore de Fulci y el despelote de felpudo y permanente?

Claro que sí, esta película es un thriller que con el elemento sobrenatural de los zombies va derivando abiertamente hacia el género del terror.

Brigitte es una secretaria de dirección muy ambiciosa que urde un plan para dañar la imagen de la empresa para la que trabaja y chantajear a su jefe, Jacques, responsable de la sucursal en Francia de una importante agroquímica alemana.

No tiene reparos en utilizar sus volcánicos encantos para conseguir sus fines o en contratar prostitutas para grabar videos comprometedores.

Una de sus argucias es distraer al conductor de un camión que transporta un contenedor de leche para que un motorista vacíe un producto tóxico en su interior mientras el pardillo retoza en un molino con una rubia meretriz a sueldo.





Como consecuencia del envenenamiento mueren tres chicas lugareñas que trabajan para la empresa alemana.

Jacques es un tipo de pocos escrúpulos. Para ahorrar gastos en depuración de residuos tiene contratado a un tipo que se encarga de hacer desaparecer desechos peligrosos vertiéndolos donde no le vean. Uno de los vertidos es en el cementerio. Los fluídos penetran entre las tumbas y provocan una asombrosa reacción sobre los cadáveres de las tres más recientes fallecidas.







En “La revancha de los muertos vivientes” tenemos unos zombies un tanto particulares: conducen, nadan, tocan el órgano (también el de la Iglesia)…
El maquillaje tal vez no es muy afortunado pero lo compensan unos fx poderosos en las escenas gore

-La escena del tacón.

-La escena del “francés” con final infeliz.





-La escena del cuarteto lésbico con espada penetrante.





-El parto.

La atmósfera macabra del film también está bastante lograda con momentos bastante sugestivos en las nocturnas apariciones de los espíritus vengativos de las tres finadas.




Me llama la atención que el argumento del film gire en torno a las sospechas (fundadas) de que el desastre ecológico se debe a las malas prácticas de una empresa alemana, aunque el responsable del desaguisado sea un francés vecino del pueblo. Pienso en algunas teorías alternativas a la versión oficial que adjudicó al aceite de colza de venta ambulante la causa de los envenenamientos que devastaron a muchas familias españolas a principios de los 80.

¿Desconfían también nuestros vecinos galos de la industria química y farmaceútica alemana o son resquemores enquistados desde la II Guerra Mundial?

Abundan el sarcasmo y el cotidiano humor campechano típicamente francés que propicia diálogos tan deliciosos como éste:

-¿Podríamos terminar con este asunto? Tengo mucho que hacer.
-Muy bien, empiece.
-¿Qué quiere usted que haga?
-Usted es la experta en estos asuntos…
-¿Quiere que hagamos un sesenta y nueve?
-Me da igual, por mi puede hacer el veinte.

Grandes momentos finales cuando el cura protesta por la falta de respeto de los gendarmes a las tumbas en el cementerio y desquiciada estampa surrealista cuando el religioso trata de impedir que el comisario lance un coctel molotov sobre el Peugeot 504 de Brigitte en el que tratan de escapar el trío de muertas vivientes.




Una de ellas grita ¡Frena!. Extraño que un zombie sienta miedo de estrellarse con el coche. Es algo que descoloca al espectador pero que tiene una explicación que se puede encontrar más abajo, en el apartado “Notas”.

Sin duda uno de los grandes atractivos de esta película es su protagonista femenina, la retorcida Brigitte. Un pedazo de mujer imponente, guapísima y que interpreta magníficamente su papel de mujer fatal. Mucho morbo verla dándose una ducha mientras los zombies hacen una visita a su amante en la piscina del sótano.




Gran banda sonora. No puede empezar mejor un film de terror durante los créditos iniciales: Gritos y alaridos desgarradores. Después hay canciones ochenteras, música de Iglesia, sintetizadores macabros, góspel…

“La revancha de los muertos vivientes” es un film bastante denostado por algunos aficionados al género pero a mi me gusta. Es original, morboso y se aparta de los caminos más trillados del cine de zombies.


Notas:

Esta película tiene una versión alternativa distribuída en Alemania como “Rache der zombies” y firmada por Pierre B. Reinhardt que es también Peter B. Harsone y Mike Strong. Un director que se podría considerar como el Jesus Franco suizo. Casi toda su trayectoria está dedicada al porno softcore psicotrónico y al hardcore.

La principal diferencia entre uno y otro film es que la versión alemana muestra más chicha en las escenas eróticas. Hay un cambio importante también en el final, resulta que las chicas muertas están vivas y se quitan las caretas cuando huyen con el dinero en el coche. Sabiendo esto entendemos muchas cosas de la versión francesa pero no explica la contaminación del químico y el embarazo tóxico de su mujer. Una conclusión coherente con el thriller que sustenta la trama pero que resulta poco verosímil y se carga el encanto de la historia de terror. Me quedo con “La revancha des mortes vivantes”.
















Calidad cinematográfica:  6`5


Gore:  6


Psicotronia:  7

lunes, 1 de diciembre de 2014

EL CINICO Y LA CASADA (1977)




Aka: “Autostop Rosso Sangue”, “Hitch Hike”, “Auto Stop Sangriento”…

Dir.: Pasquale Festa Campanile

Road movie / Thriller / Drama

Italia.- 104 Min.- Eastmancolor.

Monoaural.- 35 Mm.

Música: Ennio Morricone

FX.: Raul Ranieri




Guión: Aldo Crudo, Ottavio Jemma, P. F. Campanile.

Basado en la novela de Peter Kane.

Prod.: Mario Montanari, Bruno Turchetto. / Explorer Film '58.-  Medusa Produzione.


Intérpretes: Corinne Clery (Eve Mancini), Franco Nero (Walter Mancini), David Hess (Adam Konitz), Joshua Sinclair (Oaks), Carlo Puri (Hawk), Ignazio Spalla (Dueño del Bar Pedro Sanchez), Leonardo Scavino (Mendoza), Mónica Zanchi (Chica en camping), Benito Pacifico (Policía 1), Angelo Ragusa (Policía 2), Fausto Di Bella (Motorista gamberro 1), Luigi Birri (Motorista gambero 2), Robert Sommer (Harry Stetson), Ann Ferguson (Lucy Stetson)


Pasquale Festa Campanile es uno de tantos talentos cinematográficos italianos que acabaron atrapados en el subgénero de la comedieta comercial de guerras de sexo y cuernos.

Sus orígenes se remontan al periodismo, la crítica de cine y a la creación literaria. Escribió la novela “La abuela Sabella” que fue llevada al cine en 1957 por Dino Risi. Sus primeros pasos como profesional en el mundo del celuloide son como adaptador y guionista en filmes de la categoría de “El Gatopardo” (1962) y “Rocco y sus hermanos” (1960) de Luchino Visconti.

Cuando le llega la posibilidad de realizar “El cínico y la casada” el hombre lo interpreta como un regalo del cielo porque su carrera se había estancado en la realización de filmes tan rentables como impersonales, principalmente cintas cómicas con superestrellas de la época como Celentano, Bud Spencer o Agostina Belli.

No tengo referencias sobre la novela de Peter Kane pero no me cabe duda de que es el director quien la lleva a su terreno aportando al guión su propia experiencia vital y aprovechando la buena química con el protagonista Franco Nero.

Nero, un tipo insultantemente guapo como se aprecia en “Camelot” (1967), es también un culo inquieto, aventurero, que gusta de papeles gamberros interpretando a pistoleros y gangsters sin problemas para aparecer antipático, sucio y desaseado sabedor de su tremendo carisma.

Autoconfianza infinita ha de tener un actor para recomendar a la productora que para compartir protagonismo en el mismo film contrate a un tipo casi tan carísmatico y buen intérprete como él mismo.

Nero había conocido al psicotrónico estadounidense David Hess durante el rodaje en Alemania de la película para televisión “21 horas en Munich”. Seguro que pronto hubo química entre dos individuos tan peculiares y más de una noche recorrieron juntos las tabernas de Baviera.

¡Como para llevarse a California el rodaje de “El cínico y la viciosa” como pretendía el director!

Los productores consideraron más sensato rodar en Italia. Buscando escenarios similares a los de grandes carreteras en California o Nevada y situando estratégicamente señales y carteles para hacer más creíble la ambientación.

Y por supuesto con los vehículos, con el Ford Galaxie 500 del 63 que conduce la pareja protagonista o el Pontiac Le Mans del 67 que llevaba Adam, cochazos típicamente americanos imprescindibles en cualquier road movie que se precie.

Walter y Eva son una pareja de italianos que vuelven de vacaciones. Dejan el camping y toman la  carretera con su automóvil que arrastra una caravana. El es periodista y ella la hija de su adinerado jefe. Se siente atrapado en un matrimonio que no le permite crecer en su vocación. Discuten de forma permanente y solo se reconcilian para el sexo.

Durante el trayecto se cruzan con Adam. Su coche se ha salido de la carretera y Eva le invita a subir en contra del parecer de Walter.





Adam es charlatán, impertinente y pronto se propasa verbalmente con ella. Walter pelea con el y el autoestopista se revela como un peligroso atracador buscado por la Policía. Ahora la pareja son rehenes de Adam que quiere llegar a Mexico. El largo viaje y el bourbon hacen que entre el secuestrador y las víctimas se vaya estableciendo una tensa complicidad. Eva se da cuenta de que entre la personalidad de su marido y la del atracador hay más coincidencias de las que cabía suponer.

“El cínico y la casada” es el absurdo título con el que el  distribuidor rebautizó esta película para nuestro país. Supongo que para atraer al público poco exigente y aficionado a la comedia de destape que estaba triunfaba en los 70 con la relajación de la censura llegada la democracia.

Pues no, en primer lugar porque “el cínico” es el marido de “la casada” y en segundo lugar porque se trata de un soberbio y peculiar road movie con elementos de cine negro sin concesiones. Un film que podría pasar por americano sin problemas, por la trama, la ambientación, los personajes, la música….

Tenemos al atracador, a la mujer fatal, un botín, ambigüedad en los personajes, tensión sexual, perdedores…

Walter tiene un momento sensacional en el camping cuando conoce a los Stetson y como no puede decirles cómo se llama va a preguntárselo a Eva.

Ella se siente a gusto en el ambiente hippie, cantando cancioncillas al calor de la hoguera.




Corinne Clery es perfecta para el papel que interpreta. Con un físico espectacular y una cara bella pero ligeramente ordinaria, con ese morbo que encontramos en la vida cotidiana en la vecina o en la tendera. La expresión de su rostro ardiendo de placer en la escena de sexo más comprometida es muy perturbadora.






Eva es fuerte, odia las borracheras y los desprecios de su marido pero cuida de él y hace de chófer. Es atípico ver a una mujer conduciendo durante toda la película. Aguanta y se enfrenta con entereza femenina todos los envites de gallitos tanto de su esposo como del secuestrador.


No sabemos si es por fastidiar a Walter pero recoge autoestopistas e invita a los gamberros del bar. Este juego de tira y afloja nos hace sospechar que cuando esforzada ante él, ella disfruta para provocarle. Aunque después Eva traiciona a Adán (Adam).

Es  genial como Walter y Adam se detestan pero poco a poco se van respetando, contándose confidencias y llegan a algo parecido al colegueo a sabiendas de que la situación no puede acabar bien. Los diálogos entre ellos son altamente corrosivos.

En esta película hay aspectos que recogen la influencia de Monte Hellman o Sam Peckimpah, en el aspecto explícito de la violencia, en la gasolinera del chicano, en el bar de carretera donde se encuentran a los motoristas etc.




También podemos encontrar aspectos de influencia de “El cínico y la casada” en el cine moderno. A mi Hawk y Oaks me recuerdan bastante a Seth y Richie de “Abierto hasta el amanecer” (1995)





Una gran banda sonora de Ennio Morricone que recuerda a los principios de la “Velvet Underground”. Alcanza su punto culminante en la escena en la que Eva entrega su cuerpo en el valle por la noche junto a la hoguera. Un momento ritual.



El final de la película es antológico. Inesperado y con una moraleja poco edificante. Cien por cien serie negra donde no se pretende ejemplificar sino sacar a la superficie la basura de la sociedad.

“El cínico y la casada” es un road-movie amoral con un sólido guión y un trío protagonista, Franco Nero, Corinne Clery y David Hess, inolvidable.


Notas:

-Tarantino recuperó a Franco Nero para “Django Desencadenado”(2012), claro.

-Corinne Clery, protagonista de “Historia de O” (1975), sigue en activo trabajando en películas y series para la TV italiana.

-El gran David Hess, lamentablemente nos dejó en 2011. Un tipo tan particular no podía morir en cualquier sitio y su fallecimiento se produjo en un lugar de lo más exótico:  la isla Tiburon, en California.






Calidad cinematográfica:  8


Psicotronia:  6


Gore:  4