domingo, 30 de marzo de 2014

A SERBIAN FILM .- SRDJAN SPASOJEVIC .- 2010




Srpski film. Serbia. Thriller / Horror


110 / 104 / 100 / 95 / minutos.


Color. 35 Mm. digital


Dolby digital. Música: Sky Wikluh



FX: Miroslav Lakobrija








Intérpretes: Srdjan Todorovic (Milos), Sergej Trifunovic (Vukmir), Jelena Gabrilovic (Marija), Slobodan Bestic (Marko), Katarina Zutic (Lejla), Ana Sakic (Jecina Majka), Lena Bogdanovic (Doktorka), Miodrag Krcmaric (Rasa), Luka Mijatovic (Stefan)…


“A serbian film” es una de las películas más polémicas de los últimos años.

Angel sala, director del Festival de Sitges se vio imputado por un juzgado de Vilanova y La Geltru, que no tendría en nada mejor que desperdiciar el dinero público, por un delito de exhibición de pornografía infantil admitiendo así la denuncia de una Asociación de Defensa del Menor (una de tantas asociaciones que hay que dicen proteger los derechos de los menores aunque no hay tantas asociaciones como niños desaparecidos sin rastro en España).
  
Sala presentó en su defensa imágenes del rodaje donde se demuestra que todo es ficción y se utilizaron maniquíes para las escenas más comprometidas. Una deducción a la que podría haber llegado cualquier persona con un coeficiente intelectual superior al de un hurón. Ah, por cierto señores de la Asociación, creo que en el programa Supernanny los niños que salen desnudos en escenas de baño no son maniquíes.

Asi que no es para tanto el asunto.

Indudablemente no se trata de una película apta para menores ni para personas impresionables.

El escándalo se produce cuando historias que están relegadas al mundo del cine (actualmente video) pornográfico, al gore o a cinematografías lejanas como India o Japon se cuelan en el mainstream occidental y se presentan en festivales.

 Hay mucha hipocresía en esta controversia. Hay muchas cosas ahí fuera que no nos gustan pero mientras no se hable de ellas ni nos recuerden que existen vivimos con la conciencia tranquila.

Milos va camino de los 40. Tiene una bella esposa de profesión traductora y un niño de unos seis años. Un Saab 96 V4 de 1976 y viven en una casita poco ostentosa con jardín. No pasan hambre pero andan muy justos de dinero.

No trabaja, es una ex estrella del porno, un semental que disfruta junto a su familia de un plácido retiro no exento de melancolía por el pasado.
También tiene un hermano, Marko, un policía grande y fuerte como el futbolista Zlatan Ibrahimovic. Marko no es feliz, en secreto desearía vivir la vida de su hermano. Es una obsesión enfermiza.





Milos sabe que debe aportar algo más que su presencia a la economía familiar y un día se reúne con Lejla, una amiga y colega de profesión que sigue vinculada al negocio del porno. Entre copa y copa Milos acepta la sugerencia de acudir a una cita con Vukmir, personaje que podría estar interesado en contratarle para protagonizar un film artístico para adultos. 







En la cita posterior Vukmir le pone delante un contrato mareante para animarle a volver a rodar. Milos siente que hay algo oscuro y no acepta pero su mujer Marija ve en ese dinero la solución a todos los problemas de casa y termina por convencerlo para que acepte firmar.

Milos empieza a cuidarse y a ponerse en forma pero en la primera jornada de trabajo que tiene lugar en un orfanato se da cuenta de que con prepararse físicamente no va a ser suficiente para afrontar la pesadilla en la que está a punto de meterse donde nada es lo que parece. Vukmir ha trabajado para el gobierno y sus películas no son para el público habitual consumidor de pornografía.




Cuando Milos quiere romper el contrato ya es demasiado tarde, ya no controla sus actos ni sus pensamientos. Violaciones, sadomasoquismo, violencia con niños y asesinatos es lo que le espera en adelante.





Y no es nada que no se haya tratado en otras películas, el problema es que “A serbian film” es jodidamente buena y por eso produce más impacto. No es un film perfecto pero está poderosamente realizada, con magníficos actores físicamente muy guapos de apariencia inequívocamente europea.

Estamos ante un thriller que se va acelerando poco a poco y que deja imágenes y escenas memorables. Es patente la influencia de clásicos modernos de la psicotronia como “Lost higway” (1997), “Videodrome” (1983) y del gore como “Nekromantik” (1987) que se puede apreciar sobre todo en la paranoia que vive el protagonista entre alucinación y realidad que le lleva a una ruína física y mental. Tambien apreciamos esa influencia en la trama que relaciona el snuff con una filosofía o ideología política. “A serbian movie” tal vez no está a la altura de los referentes mencionados pero es superior a tonterías como “Memento” (2000) o “El maquinista” (2004).

Buttgereit, cuando las autoridades prohibieron y confiscaron las copias de “Nekromantik 2” (1991) acusando a su director de apología de la violencia, se defendió alegando que su film era una metáfora sobre las consecuencias de la II Guerra Mundial para Alemania. Finalmente en 1993 un juzgado le eximió de los cargos calificando la película como arte o expresión artística.

Seguro que en este aspecto el director de “A serbian film” tendría mucho que decir acerca de las secuelas de la guerra y la alienación nacionalista sobre el pueblo serbio presentes en la historia de esta película.

¿Qué falla en este film?

-      Llega un momento en que se vuelve un poco previsible aunque el final guarda alguna sorpresa importante.

-     La trama está un poco atrapada en si misma y se sugieren ideas interesantes que no se acaban de desarrollar. Como por ejemplo ¿dónde va el dinero que produce la industria del porno? O lo más inquietante: 

¿Hay conexiones entre las mafias de la prostitución y los rodajes ilegales de sexo forzado con menores (o algo peor) con la financiación de grupos influyentes en la política?

“A serbian film” es una buena película con un alto nivel de provocación que puede herir gravemente la sensibilidad del espectador no preparado.

Ya lo sabes, nadie te obliga a verla, si lo haces es porque quieres, no te quejes, seguro que también ves otras cosas y si hay oferta es porque hay demanda y tu eres parte de esa demanda.



Notas:
-        Al parecer hay hasta cuatro ediciones de esta película con diferente duración. Yo he visto la de 100 minutos y no me parece que le falte o le sobre metraje.

-          El actor que interpreta al pequeño Stefan se llama Luka Mijatovic, igual que el hijo mayor del futbolista montenegrino Predrag MIjatovic conocido por haber jugado en Partizan, Valencia C.F., Real Madrid, Fiorentina y Levante U.D. No se si es casualidad, homenaje o parentesco con el jugador pero me sirve para introducir una curiosa historia dentro del drama que fue la guerra de los Balcanes. De como Pedja tuvo que atravesar Europa en coche con su niño y trataba de distraerle del terrible ambiente como hiciera Roberto Begnini en su película “La vida es bella” (1997):

     Fuente: El Tiempo.com

Pedja Mijatovic intentó imitar como pudo durante varias horas el papel de Roberto Benigni en La vida es bella, galardonada con tres Oscar en Hollywood el pasado 22 de marzo, y mientras atravesaba Serbia en un automóvil alquilado, con destino a la frontera con Hungría, trató de desviar la atención de su hijo, Luka, de seis años.
Mijatovic mantuvo distraído a Luka, que como todos los niños apelan continuamente al porqué de las cosas.

Algo malo debió pensar el niño, cuando ya en plena carretera, le preguntó a su padre. Papá, por qué viajamos en coche, cuando a España siempre vamos en avión? . Pedja, nacido en Podgorica, en Montenegro, cambió de discurso y emplazó a su hijo para que dentro de unos años conozca la realidad.
En el cine, Benigni es Guido, un librero que convierte la guerra en una fábula. Su hijo, Giosué, también de seis años, llega a creer que la II Guerra Mundial es un concurso, con un gran premio para el ganador: un carro de combate. Pero de no de juguete, sino de verdad.
Mijatovic dudaba aún ayer en Budapest si dejaba a su hijo con su novia Anette y regresaba a Pogdorica a buscar a sus padres y a sus hermanas que residen en Montenegro, al sur de Yugoslavia.
Finalmente y tras una noche agitada, Mijatovic desayunó ayer en la capital húngara y luego tomó el vuelo 570 de la compañía Malev con destino a Barcelona.
El hombre clave en esta operación retorno es Miljan Miljanic, presidente de la Federación Yugoslava de Fútbol y ex entrenador del Real Madrid. Miljanic cumplió con su objetivo: sacar a sus jugadores del peligro lo antes posible.
Qué cómo se vive hoy en mi ciudad?. No se vive. Pero no tenemos miedo. Yo al menos no lo conozco. No lo tuve con 10 u 11 años cuando me pilló la II Guerra Mundial.
Sufrí mucho de niño. Pasé muchas necesidades. Ahora pasamos otra vez una mala racha. Pero lo principal es que los jugadores, que son mis hijos, están bien, jugando al fútbol en sus clubes. Fue una noche terrible, porque organizar una salida del país en cinco minutos no es fácil , dijo Miljanic.
Los vuelos desde Belgrado están cerrados, el aeropuerto no tiene movimiento y tuvimos que buscar salida por Hungría. La gente está enfadada con Solana, porque le toca a él ser la imagen de la OTAN, pero con el pueblo español y en especial con los deportistas españoles no hay ningún problema. El deporte español se ha portado de maravilla con nosotros , agregó Con el aterrizaje en España de Mijatovic y Djorovic, del Celta de Vigo, cuya familia es de Prístina, capital de Kosovo y referente principal de este conflicto bélico, se completó la salida de los jugadores yugoslavos.
Djorovic es uno de los que pasó peor noche. Ni él no otros muchos pudieron conectar por teléfono con sus familias, pues las líneas telefónicas en Yugoslavia se encontraban cortadas desde el miércoles por la noche. Los padres de Djorovic y su hermano Zoran salieron de Kosovo y se encuentran en Belgrado.
Vladimir Jugovic, del Atlético de Madrid, fue el único que no eligió Budapest como punto de salida. Jugovic, en otro automóvil, entró en las calles de Viena en plena madrugada, donde también le esperaba su novia.
Fecha de publicación 26 de marzo de 1999
Autor Efe









Calidad cinematográfica:  7


Psicotronia:  7


Gore:  7

martes, 25 de marzo de 2014

LADY SNOWBLOOD .- TOSHIYA FUJITA (1973)









Shurayukihime. Japon.


97 Min. Color. Monoaural.


35 Mm. Tohoscope.


Música: Masaaki Hirao, Meiko Kaji.






Intérpretes: Meiko Kaji (Yuki Kashima), Toshio Kurosawa (Ryurei Ashio), Masaaki Daimon (Go Kashima), Miyoko Akaza (Sayo Kashima), Shinichi Uchida (Shiro Kashima), Takeo  Chii (Tokuichi Shokei), Noburu Nakaya (Banzo takemura), Yoshiko Nakada (Kobue Takemura), Akemi Negishi (Tajire No Okiku), Kaoru Kusuda (Otora Mikazuki), Makoto Matsuzaki (Daikashi), Hiroshi  Hasegawa (Daihachi Kachime), Takehiko Ono (Susumu Kuroki), Ko Nishimura (Padre Dokai)…

“Los siete samuráis” (1954), “Godzilla”(1954), “The ring” (1998)… son muchas las ideas que ha tomado prestadas la industria cinematográfica USA de la de Japon.

Es inevitable para cualquier aficionado al cine sentirse cautivado por obras características de una cultura que se toma tan en serio el trabajo, que son capaces de dejarse la vida en producir y realizar películas que pueden llegar a tener argumentos tan lisérgicos como el intercambio de mamporros entre dos o mas tipos disfrazados de monstruos radioactivos, la recreación de escenarios de la edad media donde Shakespeare se da la mano con el sadomasoquismo y el bondage o enfrentamientos entre clanes yakuza explícitos en tortura y desmembramiento.

Quentin Tarantino toma como patrón para su “Kill Bill” (2003) el film “Lady Snowblood”, una típica historia de venganza situada en Japon de la era Meiji (1868 – 1912) que se podría extrapolar al western de Ok Corral o a la actualidad centrada en un clan de asesinos en Texas como sucede en la epopeya pulp protagonizada por Uma Thurman.

“Lady Snowblood” cuenta la historia de Yuki, nacida en prisión y concebida para la venganza. Su madre, Sayo, tuvo que presenciar como una banda de estafadores mataron a su marido y a su hijo esclavizándola después a ella laboral y sexualmente. 





Sayo pierde la vida en la cárcel después del parto de Yuki habiendo confiado a Otora Mikazuki, compañera de prisión, la tutela de su hija para que se asegure de que la niña “nacida del infierno” se entrene y no se desvíe del propósito para el que su madre la trajo al mundo.








Se instalarán en casa de un sacerdote que se encargará de instruir a la criatura en las artes marciales endureciendo su cuerpo y su espíritu con prácticas tales como haciéndola rodar dentro de un barril por una pendiente, atizándole bastonazos o dándole algún chapuzón en plena noche.

Yuki, ya experta en el manejo de la katana, pactará con el líder de una banda de mendigos para obtener información sobre los que destrozaron la vida de su madre y una vez le proporcionan los datos que necesita se va a buscarlos.






La premisa de esta historia es pura psicotronia: tener un hijo con el único propósito de que vengue a su madre es algo irracional. ¿No hubiera sido mas directo contratar a un ninja o a un ronin? ¿Y si Yuki una vez teniendo uso de razón decide dar a su vida otro sentido más familiar o profesional que el de consagrar su vida a la venganza?

Entendamos que en la literatura, el folclore y la idiosincrasia del pueblo japonés el honor personal y familiar son sagrados. Dar la vida por una causa noble motivo de orgullo. Solo asi podemos comprender a la dama de la sombrilla.

Ayuda  también a conectar con la trama la brillantísima realización del film que pese a haber sido rodada hace cuarenta años asombra por su modernidad y la fuerza con que te atrapa desde el primer minuto. 

La narración en capítulos, los flashbacks, la foto fija en blanco y negro, los textos y dibujos con voz en off y otras soluciones creativas que parecen tan innovadoras en “Kill Bill” no se los ha inventado Tarantino, están muy presentes en “Lady Snowblood” y en “Female Prisoner #701: Scorpion” (1972), un film que cuenta con un presupuesto mucho más limitado que el de Fujita pero que compensa la carencia de medios con alucinógenos recursos visuales y narrativos que también se dejan ver en la gran producción yanqui del 2003.

Por si no tenemos bastante con el hechizo visual de la película se nos introduce en el contexto histórico con abundantes referencias políticas y sociales.

Tenemos también la presencia de un periodista que tendrá una gran importancia en la trama y un villano capo de la mafia que nos llevará a un increíble final en una mansión donde se celebra un baile de caridad donde nos deslumbran momentos de acción clásicos de las películas de aventuras, acción y espionaje de la época.




Las escenas gore son pocas pero tenemos alguna que otra amputación y los habituales surtidores de sangre del cine de espadas japonés.

Meiko Kaji es una bellísima y fantástica actriz que además termina de enamorarnos cantando el tema central del film “The flower of carnage”, un tema fabuloso que se asienta sobre una increíble orquestación setentera.

Una película maravillosa.




Notas:
- Meiko Kaji es también protagonista de “Female Prisoner #701: Scorpion” de Shunya Ito, importante película donde también canta otro temazo: “Urami Bushi”. Tanto esta canción como “The flower of carnage” se las apropia Tarantino para “Kill Bill”
- “Lady Snowblood” es la adaptación cinematográfica del comic manga de Kazuo Koike y Kazuo Kamimura que después participarían también en el guión de la película.









Calidad cinematográfica:  8

Psicotronia:  8

Gore:  6

miércoles, 19 de marzo de 2014

LO MEJOR QUE LE PUEDE PASAR A UN CRUASAN.- PACO MIR (2003)






España. 103 Minutos.


Comedia / Thriller


Color. Dolby.


Música: Andy Chango y otros.







Este cartel es una invitación para no ver la película.




Intérpretes : Pablo Carbonell (Pablo Miralles), Pep Ferrer (Luigi), Nathalie Seseña (Fina), Jose  Coronado (Sebastian Miralles), Marta Belaustegui (Gloria), Amparo Valle (Beba), Ana Maria Barbany (La madre), Lola Marceli (Lali / Beatriz),  Arsenio Corsellas (El padre), Andre Oumansky (Pierre Francois), Irene Montala (Carmela), Josep maria Gimeno (Robellades), Merce Puy (Secretaria de Miralles)…..


Compré el libro “Lo mejor que le puede pasar a un cruasán” de Pablo Tusset cuando salió a la venta en el 2003 porque estando yo apuntado a “Círculo de lectores” era de entre las opciones más baratas de las novedades editoriales el que mejor pinta tenía.

Empecé a leerlo una tarde en el metro volviendo del trabajo y lo tuve que dejar a las pocas páginas porque no me podía aguantar la risa.
Me sucedió lo mismo con “La aventura del tocador de señoras” de Eduardo Mendoza.

Hay puntos en común entre los dos libros además del humor mordaz.  Los protagonistas de ambas novelas son personajes atípicos, marginales que se mueven por lugares de la periferia barcelonesa con el lumpen y la gente humilde de barrio. Escenarios clásicos de la literatura catalana y la serie negra en particular. El propio Vazquez Montalban recomendaba la obra de Tusset en la que son claras las influencias del creador de Pepe Carvallho y las de Mendoza.

Pero el autor del libro que ha servido de base para la película a la que nos vamos a referir no maneja los entresijos de la novela policiaca con la maestría de Mendoza, que sería su referente más próximo en el tiempo, y aunque la novela es divertida e interesante se nota que es el primer trabajo de envergadura del escritor y la historia se le va de las manos, sobre todo al final.

Pablo Miralles es un tipo grandullón y algo torpe, hijo de una familia de la alta burguesía catalana. Por propia elección vive como un bohemio en un piso barato, sucio y desordenado. Viste como un gualtrapa y se relaciona con personas sencillas del barrio con putas, camellos y fauna noctámbula.




Un día su hermano Sebastian que si que ha hecho fortuna siguiendo la tradición familiar encarga a Pablo a cambio de 500 euros que investigue todo sobre una finca que su empresa tiene en cartera para gestionar en venta pero de la que no encuentran datos registrales.

Al poco tiempo el cabeza de familia Miralles sufre un extraño accidente y Sebastian desaparece.

Pablo requerido por su cuñada empieza a tomarse la cosa en serio y en compañía de Fina, una amiga del bar que frecuenta va siguiendo la pista de su hermano.




La película consigue retratar de forma bastante efectiva los ambientes que se describen en la novela. Este primer trabajo de Paco Mir es bueno. Se le nota un poco verde y la realización es un poco televisva pero no pasa nada, no es fácil para nadie plantarse en la categoría de Bigas Luna o Francesc Betriu con la primera película que dirige.





“Lo mejor que le puede pasar a un cruasán” es una película honesta, cálida, luminosa, divertida, con agudos diálogos y bien interpretada. Describe acorde a la novela ambientes desde lo más callejero, tabernas, parques refugios de parados, ninis y trapicheos hasta los ambientes de élite de la clase alta barcelonesa. Todo con un brillante punto de caricatura.
Pablo Carbonel está extraordinariamente cómodo con su estrafalario papel y Nathalie Seseña deliciosa. Hay muy buena química entre ellos.

Pasan muchas cosas durante el film. La trama detectivesca mantiene bien la intriga y nos muestra varios escenarios y personajes. Locutorios, piano bar, restaurantes y burdeles de muy alto nivel, hackers quinceañeros, secretarias con doble vida, detectives chapuceros…





Encantadora la madre de Pablo, moderna señorona con exceso de tiempo libre y dinero para toda clase de caprichos siendo el que más le cuesta conseguir el de encontrarle novia a Pablo.

Toda la historia funciona muy bien hasta que se empieza a desenvolver la madeja de la intriga. Aunque el final de la película me parece mejor resuelto que el demasiado abstracto de la novela, al trasladar a imágenes y personajes reales el tema de la secta del caserón y la relación del misterio con la familia de Pablo se evidencia todo como poco creíble. Demasiadas casualidades y dobleces para haber  estado mantenidas en secreto en un contexto tan cerrado de proximidad durante tanto tiempo.


















Una película muy divertida, con más virtudes que defectos, para pasar un buen rato y que deja un gusto agradable.


Notas:

- Paco Mir debuta en el cine con esta película pero no es ningun recién llegado al mundo del espectáculo y la cultura. Miembro de "El Tricicle" tiene un amplia experiencia en el mundo del comic y en el teatro donde ya ha dirigido algunas obras.








Calidad cinematográfica:  6


Psicotronia:  4


Gore:  1                                      





miércoles, 12 de marzo de 2014

BEYOND THE LIMITS .- OLAF ITTENBACH (2003)








Alemania. 100 Minutos. Color.


Thriller / Terror


Música:  Les Gilles



FX.:  Olaf Ittenbach y equipo.






Intérpretes:  Kimberly Liebe (Vivian), Christopher Kriesa (Frederick el enterrador), Joe Cook (Paul Patucchi), Xenia Seeberg (Clarice), James Matthew-Pyecha (Jimmie Levinson), Daryl Jackson (Robert Downing), Twin (Courtney), Saskia Lange (Marianne), Marika Elena David (Laura), Melanie Sigl (Denise), Mehmet Yilmaz (Christopher), Jeff Motherhead (Howard), Matthias Rimpler (Brad), Simon Newby (Mortimer), Thomas Reitmair (Rick), Darren Shahlavi (Dennis), Russell Friedenberg (Tom Brewster), David Creedon (David Deming), Natacza Boon (Annabelle Branagh), Hank Stone (James Flynn)…

Olaf Ittenbach tiene seguidores y detractores bastante radicales. Unos extremos acordes con la propuesta de su cine.

A mi me parece igual de ridículo defender a ultranza todo lo que hace como cerrarse en banda y negar los méritos de un director que contra viento y marea se ha labrado una firme carrera como exponente de la máxima expresión del horror llevado al cine y cuyos fans se cuentan por miles.

Es hipócrita echar pestes de Ittenbach pero mojar la ropa interior con todo lo que viene de Japon, de EEUU y con algunos films de Jesus Franco, Buttgereit  o Peter Jackson justificándose en una coartada supuestamente intelectual  de simpática transgresión, porque si una película es mediocre, lo es aunque el envoltorio sea brillante o exótico.

Olaf Ittenbach no necesita excusas, necesita presupuesto. Con dinero y un puñado de fieles colaboradores se pone a trabajar y hace una película. Nunca será una estrella mundial ni se hará millonario. No llegará a todos los públicos ni recibirá buenas críticas. Hace lo que le gusta y unas veces le sale mejor y otras peor.

Tiene dos principales defectos:

-Los guiones:  No consigue ir más allá de lo que podemos encontrar en un tebeo malo, son inmaduros y hacen aguas por todas partes. Sus argumentos recuerdan a las historietas de S.O.S. aquella publicación de Editora Valenciana que pretendía emular los cuadernos de la Warren pero de baratillo y con cierta desgana en los artistas.

-La tendencia a copiar: Sin pudor ni disimulo se “inspira” más de la cuenta en aspectos de otras películas y trabajos de directores que le han influenciado. Esto se le fue totalmente de las manos en “La legion de los muertos”  (2001) que llega a parecer en algunos momentos un remake de “Abierto hasta el amanecer”  (1995) y un plagio pedorro de “Dogma” (1999) de Kevin Smith,  siendo su peor y más decepcionante película. Después de ver "La legión de los muertos" llegué a pensar que el director alemán habiendo caído tan bajo difícilmente volvería a realizar algo de interés. Afortunadamente me equivoqué.























“Beyond the limits” es también conocida como “The burning moon II”. Argumentalmente no tiene mucho que ver con su obra maestra de 1997. Coincide en que la película cuenta dos historias narradas de una persona a otra y en una revisión con FX mejorados del viaje a los infiernos de una de los personajes.

Ah, creo que para quien esté leyendo estas líneas y no conozca el cine de este director se me puede haber pasado por alto hacer constar que la forma de entender el terror de Ittenbach no se basa precisamente en la sutileza. Las películas de Ittenbach son lo más parecido a una pesadilla y cuando está inspirado la sensación de horror que logra transmitir se sale de la pantalla y te acompaña durante días. Para conseguirlo se vale del gore más extremo. El mismo es un especialista autodidacta en elaborar efectos especiales y se encarga personalmente de preparar las escenas más viscerales de sus películas. Y lo de viscerales no es una forma metafórica de expresarlo.

En “Beyond the limits” la línea argumental se centra en  la reliquia “El corazón eterno” que sirve para enlazar las dos historias que cuenta Frederick, el guardián del cementerio, a Vivian, una periodista que se cita con él para entrevistarle.







La primera historia transcurre casi en su totalidad en un apartamento. Antes nos ha sorprendido Ittenbach mostrando con buena factura o cuanto menos con un estilo sorprendente y particular una trama entre mafiosos de forma luminosa y brillante en contraste con lo que se avecina minutos después.

Un thriller que comienza con Paul Pattucchi que tiene que cerrar un negocio de cocaína y “algo mas”. Unos hampones al servicio de un jefe misterioso matan a la amante de Paul para presionarle. Acorralado huye y lo encuentran muerto y desfigurado.

Nos trasladamos al apartamento de Levinson que espera a unos invitados para cenar. Quien llega también es Robert Downing un enviado del jefe en la sombra que busca lo que se supone que escondía Pattucchi. Empiezan los equívocos y se apuntan a la fiesta dos liquidadores llamados por Levinson, Rick y Mortimer, dos individuos de aspecto siniestro que parecen cenobitas y no sólo por su aspecto, también por la forma en que acometen su trabajo.







Y a partir de aquí me gustaría ver a alguno de esos pardillos a los que “Funny Games” les parece una película “muy fuerte” porque ya hemos llegado al terreno de Ittenbach y se han acabado las tonterías. Lo que se nos muestra a continuación es un puñetazo en la cara del espectador, un viaje a la locura y al horror que deja muy claro porque el cineasta alemán es un director único e inimitable. Mortimer se adueña de la situación hasta que empieza a meterse caballones de farla y va perdiendo el control erigiéndose en un monstruoso ángel de la muerte que hace derivar lo que venía siendo un thriller de gangsters en una pesadilla de brutalidad y sadismo explícito que no se olvida fácilmente. No recuerdo haber visto antes nada igual. Ittenbach dirige de forma torpona pero cuando se trata de materializar el espanto y atenazar al espectador golpeándole en lo más profundo es un auténtico maestro.

En los primeros minutos cuando van coincidiendo pistoleros en el apartamento el director introduce unos absurdos e innecesarios efectos visuales y de sonido. De no ser por este exceso infantil le hubiera quedado perfecta esta primera historia.

Pausa. El guardián del cementerio continúa con su relato.

Ahora nos traslada a Inglaterra en la Edad Media. David Deming, un inquisidor obsesionado con el poder y la inmortalidad necesita la reliquia “El corazón eterno” para invocar a un espíritu diabólico que espera que le ayude para conseguir su propósito. Para ello no le temblará el pulso en enviar su ejército y arrasar una congregación en plena misa para someter al monje  que otrora fuera su maestro  Flynn y robarle la reliquia. Por supuesto la carnicería se nos muestra con todo detalle de desmembramientos y decapitaciones.

Deming ayudado por su secuaz militar Brewster se instalan a tiempo completo en una mazmorra donde mediante tortura y asesinato se esfuerzan para que se encarne el espíritu diabólico que les tiene que ayudar en un cuerpo receptor que ha de ser puro.





Pero no cuentan conque el sargento Dennis, enamorado, bueno, experto en artes marciales  y que parece que se vista en la sección de saldos de invierno de unos grandes almacenes se enfrentará a ellos.

Esta segunda historia es un entretenido tebeo con acertadas notas de humor negro que recuerda a films del estilo de “Las torturas de la inquisición” (1970).

El problema es que la contención no va con Ittenbach y si cuenta con un actor maestro de artes marciales pues le tiene que sacar partido y las hostias karatekas que reparte un soldado inglés en pleno siglo XV quedan un poca ridículas.




















Deming consigue finalmente visitar el infierno, aunque no exactamente como lo había planeado. Es en estas secuencias donde encontramos abiertamente el remake de “The burning moon”, mejor realizado, más breve, igual de brutal pero como que no llega a igualar los extremos de aberrante salvajismo de su magistral predecesora.

Volvemos con la periodista y con Frederick. Epílogo con sorpresa y fin.

Contribuye a subir el nivel de la película un buen plantel de actores que encajan bien en los papeles que interpretan. Mención especial para Simon Newby, el terrible Mortimer y para Russell Friedenberg,  el sádico Brewster. A destacar también el inglés Darren Shahlavi, la estrella de saldo del film. Por lo menos se aprecia el esfuerzo que pone en encarnar su atormentado personaje.

Con todos sus errores es una película interesante, un pastiche de thriller, terror y aventuras medievales no apto para todos los públicos que nos devuelve la fé en Ittenbach. Si Ed Wood, Lucio Fulci, Jesús Franco o Ted V. MIkels tienen un sitio en la historia del cine no hay razón para que este teutón perturbado no tenga el suyo.



Notas

- En los títulos de crédito se hace referencia a “The creature” . Da la impresión de que se cortó alguna escena en el montaje final o que el presupuesto no llegó para filmar todo lo que había en el guión.




- Olaf Ittenbach ganó en el 2003 con esta película el Golden Glibb en el  festival Weekend of fear que se celebra en Nuremberg .

- Darren Shahlavi lleva años intentando labrarse una reputación en el cine de artes marciales. Pasó unos años en Hong Kong aprendiendo y trabajando como doble y especialista. Ha conseguido pequeños papeles en films con Samo Hung y Steven Seagal pero su carrera no acaba de despegar.

- Christopher Kriesa aparece en la película de los hermanos Coen “El hombre que nunca estuvo allí” (2001).










Calidad cinematográfica:  6


Gore:  8


Psicotronia:  8

domingo, 9 de marzo de 2014

TERROR CANIBAL (1980)



Dir.: Julio Pérez Tabernero

Aka: “Terreur cannibale” , “Cannibal terror”.

Co-dirección: Alain Deruelle, Olivier Mathot

España / Francia

Color.- 93 Minutos

Terror / Gore / Canibales

Imagen.: 1.85 : 1.- 35 Mm.

Sonido: Monoaural

Música: Jean-Jacques Lemêtre


Fotografía: Emilio Foriscot

Guión: Jesús Franco; Julio Pérez Tabernero; H.L. Rostaine

Producción: Daniel Lesoeur; Julio Antonio Lopez Perez Tabernero

Prod. Co.: Eurociné

Clasificación moral: Mayores 18 años

Frase Promocional: “Los gangsters acorralados son capturados y masacrados por los caníbales”



Intérpretes: Silvia Solar (Madame Danville), Pamela Stanford (Manuela), Olivier Mathot (Monsieur Danville), Michel Laury, Alain Deruelle (Pietro), Bertrand Altmann, Stan Hamilton, Antoine Fontaine (Roberto), Bertrand Altmann  (Burt Altman), Antonio Mayans (Mario), Mariam Camacho (Rina), Antonio Jover, Amparo Marsilla (Francesca Danville ), ¿Annabelle (Flaurence Danville)?, Montserrat Salvador, Sabrina Siani (Chica en bar), Bernard Thébault, Chris Yebenes.,  Antonio Jover (Antonio), Alain Deruelle (Pietro)


Esta película tiene fama de ser muy mala y después de verla me siento autorizado para aseverarlo: doy fé.

Está dirigida por el productor y director de comedia, porno softcore y subproductos de explotation varios Julio Perez Tabernero.

Don Julio P. Tabernero creo que proviene del mundo de la ganadería, de hecho su primer papel como actor en la película “Cinco pistolas de Texas” (1966), lo consigue por ser un diestro jinete. El director José Ulloa que le conocía personalmente fue quien se lo recomendó a Ignacio F. Iquino para protagonizar el mencionado spaghetti-western  y la satisfactoria experiencia le reveló cual iba a ser su vocación durante una buena parte de su vida futura. El cine de barrio.

Repasando sus incursiones en el séptimo arte se evidencia que no siempre va de la mano tener buenas posibilidades económicas, olfato comercial y un apellido largo con la cultura y el buen gusto.

Nunca voy a criticar que alguien haga una película de género con cuatro duros y nulo talento. Lo que no tiene perdón es que la haga tan aburrida.

La acción transcurre en Alicante excepto algunas secuencias que se filman en las proximidades de acuíferos de Madrid.

Dos granujas, Mario y Roberto, macarras y castizos se quejan de lo mal que está el oficio. A ellos se une Rina, una tía buenísima que intuímos por los diálogos que es prostituta. Adviértase la retranca y el academicismo literario del texto:

- Ocúpate de tus nalgas
- Mis nalgas se ocupan solas y además están hartas de trabajar para vosotros
- Cállate plasta.

Rina les sugiere un negocio, secuestrar a Francesca, una niña que conoce de vista y que es hija de Monsieur Danville, adinerado dueño de un taller mecánico. Cosa que hacen.




Después de una cómica escena en la que un compinche de ellos tiene un accidente se ven obligados a pedir ayuda a Don Pepe, un mafioso que les ayuda a desaparecer una temporada cruzando la frontera.

El lugar será una isla donde les acogerá Antonio, un pintoresco personaje que vive en una casa de campo y que mantiene buenas relaciones con los caníbales.









¿Qué lugar es ese a donde van a ir? ¿Por qué hay caníbales? ¿Por qué la aduana se parece tanto a un apeadero de FEVE (Ferrocarriles Españoles de Via Estrecha)?

Nunca lo sabremos.

En la isla (o lo que sea) les recibe Mickey, la mujer enlace de Don pepe, quien les ha de llevar en un pequeño Jeep Ebro con matrícula de Alicante al escondite.

Pero el radiador empieza a humear y la chica se va a buscar agua. En cuanto se aleja un poco la capturan los caníbales.






Roberto y Mario con Rina y la pequeña Florence deciden huir cobardemente en el todoterreno. Triste sacrifico de Mickey porque parece que ahora el vehículo funciona perfectamente.

Todos los caminos llevan a roma y en este caso a casa de Antonio quien les recibe cordialmente y les presenta a su mujer Manuela.

Manuela es una mujer muy hermosa. Al poco tiempo de estar allí los invitados y en ausencia de Antonio Manuela se baña desnuda en una tina. Mario la ve y claro, lo mas normal, decide raptarla y violarla. Asi justifica su actitud:

- No me gusta que me provoquen.

No parece que este hecho haya causado un gran trauma en Manuela pues por la noche celebran una patética fiestecilla en la que baila y se desnuda sin ningún pudor mientras Antonio que ya está al corriente de lo sucedido planea su venganza.

Manuela no tiene la conciencia tranquila y acaba por denunciar a las autoridades la presencia de la niña secuestrada en la casa.

Siguiendo con la lógica de los acontecimientos los padres deciden acudir personalmente a la isla donde recurren a las autoridades locales para que les acompañen en la búsqueda de la niña.



Pues este viene a ser el argumento de la película.

Si, tiene caspa, el presupuesto es ínfimo, el guión parece que lo escribiera un niño de ocho años, todo es zafio y cutre, el exotismo son bosques de coníferas, romerales y palmeras alicantinos, los caníbales parece que los han reclutado en tascas y billares de la zona del puerto, hay escenas que se repiten hasta tres veces, actores que interpretan dos papeles,  la música es una versión instrumental calypso / cumbia de “La bamba” más apropiada para una comedia que para un film de terror gore…

Pero a pesar de todo lo que realmente falla en la película son dos aspectos principales:

- Es muy larga, le sobran veinte minutos. Lo que podría haber sido una entretenida serie z se alarga hasta resultar soporífera en algunos momentos.

- Las escenas gore no son efectivas. La primera muerte no está mal pero después la reiteración en el manoseo de menudillos se hace cansina.

En este tipo de películas lo mejor y más estimulante suele ser en muchos casos las actrices. Mujeres que no han pisado en su vida un gimnasio, que no se depilan más de lo necesario, lucen peinados y vestuario hortera a más no poder y apenas saben actuar pero que se comen la pantalla con su carácter y belleza racial. Llega un momento en que ni siquiera interpretan y se dejan llevar por el desmadre del desastroso rodaje. De esta forma en “Terror caníbal” lo mejor de la película y posiblemente la única razón por la que vale la pena guardarla es el baile que nos ofrece Pamela Stanford en la mierdosa fiesta que se montan en casa de Antonio. Una de las danzas más cerdas de la historia del cine y que sólo podemos ver en la versión uncut.

















Notas:

- Repelente el efecto de la vocecilla que dobla a la niña Francesca que escuchamos aunque no la 
veamos hablar.

- Para ver esta película se recomienda tomar previamente un par de cafés bien cargados para llegar despierto a los minutos finales.

- La película fue calificada en el Reino Unido como “video nasty” hasta que en una revisión posterior le quitaron la calificación cuando comprobaron que no era para tanto.
- “Terror Canibal” comparte actores y equipo técnico con “Sexo Canibal / El Canibal” (1980) de Jesús Franco (Clifford Brown) y con “Mundo caníbal” (1980) también de Jesús Franco (Jess Franco). El tío Jess no quiso desaprovechar la moda de films de caníbales que estaba reportando pingües beneficios a los maestros del (sub) género Umberto Lenzi y Ruggero Deodato. Estas circunstancias han llevado a algunos analistas a sospechar que la película de Tabernero realmente está dirigida por Franco que aprovecho los descansos de las otras películas para terminar esta. Además en otras ediciones de este film se le adjudica la autoría hasta a otros tres directores: Allan W. Steewe, Alain Deruelle o el actor Olivier Mathot. Yo me inclino a pensar que la dirección es de Perez Tabernero porque el lo ha reconocido en entrevistas recientes y porque es demasiado casposa y castiza para estar realizada por un director de verdad y de otro país. Y Jesus Franco tiene una forma muy personal de hacer cine reconocible hasta en sus peores películas y que en “Terror Canibal” yo no llego a apreciar en ningún momento.

- Antonio Mayans es un actor clásico del cine choricero español. Podríamos mencionar “El jorobado de la Morgue” (1973),  “La Violación” (1977), “Juventud Drogada” (1977),  “Sexo Canibal” (1980), “Botas negras, látigo de cuero” (1983) etc. Lo mas selecto de su filmografía lo hizo a las órdenes de Jesus Franco al que suponemos le unía una buena amistad. Posteriormente se le ha visto en televisión, en episodios de “Médico de familia”, “Aquí no hay quien viva”, “Cuéntame…” o “Gran Hotel”.

- Silvia Solar en 1980 ya tenía unos años pero seguía mostrándose bella. Actriz de larga trayectoria en films como: “Llanto por un bandido” (1964),  La piel quemada (1967), “Horror Story” (1972), “¿Y ahora que, señor fiscal?” (1977), “Las que empiezan a los quince años” (1978), “Sinatra” (1988)……

- Pamela Stanford no es una actriz recatada precisamente. Tiene una filmografía de aberraciones psicotrónicas que tira de espaldas: “Elsa fraülein SS” (1977), “Prostitución Clandestine” (1975),  “Aberraciones Sexuales De Una Rubia Caliente” (1977)…. También actriz habitual del equipo de Jesus Franco. Algunas fuentes apuntan a que participó en filmes X. Por alguna razón que ignoro su último film lo interpreta en 1983: “Claire”, con Jess (Cliford Brown) Franco.

- Mariam Camacho: lástima que no se le conozcan más películas. Una presencia muy interesante.

- La filmografía como director de Julio Perez Tabernero se compone de siete películas. Probablemente la primera, “Entre ríos y encinares” (1971), ha sido su único intento serio de hacer cine antes de dar prioridad al negocio y a sus fantasías mórbidas con “Sexy Cat” (1973), “Las alegres vampiras de Vögel” (1975), “Midnight party” (1976), “Terror caníbal” (1980),  “Con las bragas en la mano” (1982) y “Bragas calientes” 1983.

- Quien este interesado en hacerse con una copia más que decente de “Terror Caníbal” ahora tiene la oportunidad de comprar por el módico precio de 7,50 € una edición uncut remasterizada en estéreo y widescreen  editada por el fanzine “El buque maldito”. Edicion limitada, se acaban. 









Calidad cinematográfica:  3


Gore:  7


Psicotronia:  8