miércoles, 28 de enero de 2015

LA HORRIPILANTE BESTIA HUMANA (1969)



Aka.: “Night Of The Bloody Apes”, “Korang, La Terrificante Bestia Umana”, “Horror y Sexo”…

Dir.: Rene Cardona

Dir. para versión EE.UU. : Jerald Intrator

Mexico.- 81 / 84 Min. Uncut.

Terror / Gore

Eastmancolor.- 35 Mm.

Monoaural




Música:  Antonio Díaz Conde

FX.:  Javier Torres Torija, María del Castillo.

Guión:  Rene Cardona, Rene Cardona  Jr.

Fotografía:  Raul Martinez Solares

Prod.:  Guillermo Calderon, Alfredo Salazar.

Prod. Co.: Cinematográfica Calderón S.A.

Intérpretes: José Elías Moreno (Dr. Krallman), Carlos López Moctezuma (Goyo), Armando Silvestre (Teniente Arturo Martinez), Norma Lazareno (Lucy Osorio), Agustín Martínez Solares (Julio Krallman), Gerardo Zepeda (Bestia Humana), Noelia Noel (Víctima), Gina Morett (Mujer), Anna Levine…

Antes que nada aclarar una cosa. Esta película se ditribuyó inicialmente en su versión original mexicana de 81 minutos totalmente mutilada de sus escenas gore y de desnudos. La consecuencia de los recortes es que el film se convierte en una tonta historieta apta para niños, soporífera y sin apenas interés.

Jerald Intrator se encargó de supervisar la versión doblada al inglés de 84 min. para el mercado exterior conservando todos los excesos hemoglobínicos y la exhibición carnal femenina.





Obviamente la de 84 minutos es la buena pero lamentablemente se pierden las voces en español con el característico hablar mexicano.

La solución pasaría por tener un buen editor de video y a la versión original insertarle el metraje que le falta. A ver si alguien se anima y la comparte.

El Doctor Krallman tiene un hijo enfermo de leucemia. Los mejores especialistas no pueden hacer nada. Pero el padre no va a permitir que su hijo muera sin hacer todo lo que esté en su mano por evitarlo. Como científico brillante que es ha llegado a la conclusión de que la sangre de un gorila puede ser más fuerte que la de un humano para vencer la enfermedad. Sustituirá la sangre de su hijo por la del primate. Ya puestos, por si acaso el corazón del muchacho no tiene capacidad para bombear la poderosa sangre del animal le transplanta el corazón del simio.

Pero se produce un inesperado efecto secundario y Julio se convierte en un musculoso y agresivo monstruo que escapa fuera de control.

“La Horripilante Bestia Humana” es un digno film de Rene Cardona, un director especialista en todo tipo de géneros pero bien capacitado para que el trash más zetoso se muestre como una correcta serie B. Increíblemente prolífico llegó a realizar hasta ocho películas en un año sin que desmereciesen mucho en el resultado. Algo así como nuestro Jesús Franco pero más comercial y digerible por el gran público.

En esta ocasión realizó un remake de su propia obra de 1963 “Las Luchadoras Contra El Medico Asesino” pero más orientado hacia el terror gore. Un cóctel de sangre, desnudos, mad doctor, wrestling y King Kong que en algunos momentos recuerda a las producciones Hammer.

Nadie puede sentirse engañado ante una película en la que se presentan los títulos de crédito sobre un fondo negro bañado en sangre.






















Hay una historia paralela a la del Doctor Krallman, la de Lucy, una luchadora que accidentalmente hiere de gravedad a su rival en el ring. Su novio es Teniente de Policía y debe investigar la desaparición de un gorila del zoo que se ha llevado el médico protagonista. El mono en cuestión yo diría que se parece más a un orangután que a un gorila pero esto es una consideración particular irrelevante.






















La combatiente está interpretada por Norma Lazareno, una bella actriz de enormes ojos que nos obsequia con algunas vistas de su recia anatomía. Una de mis imágenes favoritas de la película es el primer plano de su rostro con la máscara al principio del film. Una expresión fascinante como presagio del drama.























Todas las actrices son despampanantes. Destacan especialmente Lucy y la tremenda chica que es asaltada en el parque con su pareja. Furiosa y exuberante mujerona que no se lo pone fácil al monstruo.

Genial el  trabajo de José Elías Moreno. Un señor mayor interpretando de forma creíble y sentida un personaje demencial. Eso es profesionalidad y lo demás tonterías.

También impresiona la actuación de su ayudante Goyo, abnegado y fiel hasta el fin.

La bestia es Gerardo Zepeda, un gigantón azteca conocido por el sobrenombre de “El Chiquilín” que fue luchador profesional y peleaba con el nombre de guerra de “El Romano”. Tiene una breve aparición en “Perdita Durango” (1997). El maquillaje con el que va sembrando el terror es un poco casposo pero funciona porque la presencia del actor es poderosa. Los gruñidos de la criatura recuerdan un poco a los de “Patán” (“Pulgoso” en Latinoamérica), el perro de Pierre Nodoyuna.






















Hay dos grandes momentos cómicos en la película que se echan a perder en la versión doblada.

-Uno cuando el teniente llega al apartamento de una chica que ha sido asaltada y trata de interrogar a algún testigo pero cada vez que pregunta se ponen a hablar todos a la vez.

-Otro cuando una señora que va de noche paseando se encuentra con una de las víctimas y echa a correr gritando: “¡Un muerto, un muerto!”

La música es efectista o tierna según se tercie. Hay un momento entrañable cuando Krallman acuesta a su hijo que suena como una nana.

La idea que tiene el Doctor para vencer a la enfermedad podría haber influído a Jacinto Molina para el argumento de “Dr Jeckill y El Hombre Lobo” (1972) en la que Daninsky, el hombre lobo, se inyecta el suero del Dr. Jeckyll creyendo que la fuerza de Mr. Hyde podrá vencer la maldición de la licantropía.























La escena del transplante parece ser que contiene insertos de una operación real. Pero hay algo que sorprende por encima de la crudeza de las imágenes. En el quirófano del sótano de Krallman sólo hay dos personas operando pero vemos cuatro manos practicando la cirugía y otras dos sosteniendo la mascarilla de oxígeno. Un auténtico misterio.

Otros grandes momentos:

-El hombre del estanquillo que se va a buscar cuchillo en mano a la criatura. Mala idea.

-El paisano que va tranquilamente de ronda nocturna y se tropieza con la bestia ante sus ojos.

-Cuando Goyo va a comprobar el estado de Julio sin saber que se ha vuelto a transformar. Como para perder la cabeza.

-Al final cuando superado por los acontecimientos, vemos como al médico se le escapa la cordura. Monumental instante interpretativo de José Elías Moreno.

-¿Qué tendrán enfocado en el microscopio que se pasan el tiempo mirando con él?







-Todas las idas y venidas nocturnas de Goyo y su maestro en el 1961 Rambler American Two-Door Wagon.


“La Horripilante Bestia Humana” es psicotronia mexicana que no tiene nada que envidiar en mal gusto a los films más truculentos de los italianos Fulci, Lenzi o Argento. La edición de 84 minutos por supuesto. La de 81 queda para quienes quieran disfrutar con las voces oríginales de los actores.
































Calidad cinematográfica:  6

Psicotronia:  7

Gore:  7

sábado, 17 de enero de 2015

PERROS RABIOSOS (1970)



“I Drink Your Blood”

Aka:  “Me Bebo Tu Sangre”, “La Rabbia Dei Morti Viventi”, “Phobia”, “Hydro-Phobia”

Dir.: David E Durston

EE.UU. – Terror / Gore

90 / 94 Min. Uncut

Sonido Monoaural.- 35 Mm.

Música: Clay Pitts.

FX:  Irvin Carlton.




Guión:  David E. Durston.

Fotografía:  Jacques Demarecaux, Joseph Mangine.

Prod.:  Jerry Gross, Henry Kaplan.


Intérpretes: Bhaskar Roy Chowdhury (Horacio Bones), Jadin Wong (Sue Lin), Rhonda Fultz (Molly), George Patterson (Rollo), Riley Mills (Pete Banner), John Damon (Roger Davis),  Elizabeth Marner-Brooks (Mildred Nash), Richard Bowler (Doctor Banner), Tyde Kierney (Andy), Iris Brooks (Sylvia), Alex Mann (Shelley), David E. Durston (Doctor Oakes), Arlene Farber (Sylvia Banner), Lynn Lowry (Carrie)


“Men become animals and eat their victims! ... You will sit and watch this shocking ugliness splashing across the screen! ... Can you take it?” ...

El cine de David E. Durston era algo así como una combinación entre Ed Wood Jr., Hershell Gordon Lewis y Russ Meyer. Dramas personales enmarcados en la américa profunda salpimentados con tremendismo grandguiñolesco y humor bizarro. Pero con un sentido de la sutileza que al exagerado director de “Supervixens” (1975) le hubiera parecido de pésimo gusto.

Tuvo la osadía de ser el primer director en producir un largometraje gay para el circuito mainstream: “Boy 'Napped” (1975) y estimulado por las críticas presentó en 1978 el primer film gay realizado en 3D: “Manhole”.

Por alguna oscura razón abandonó después su carrera cinematográfica dedicándose a trabajar como ayudante de guionista para producciones independientes.

Previamente bajo los efectos del LSD había realizado “The Love Statue” (1965) y supongo que bajo los efectos de alguna otra indefinida demencia nos obsequió en 1970 con “Perros rabiosos” que es la película que voy a comentar y a la que pertenece el texto promocional con el que empecé esta reseña.

Horacio Bones lidera un grupo de nómadas hippiosos que viven al margen de la sociedad. Se comportan como una secta que realiza rituales satánicos y disfrutan infringiendo la ley.






En su trayecto acampan en un boque cerca de Valley Hills, un pueblo semiabandonado a causa de la construcción de una presa. Uno de los gamberros que se acerca en busca de provisiones entabla amistad con Silvia, nieta del veterinario Doc. Banner.

La chica se acerca al campamento por la noche y se los encuentra en pleno rito. Al ser descubierta trata de huir pero es golpeada y humillada.

Su abuelo decide ir a hacerles una visita al hotel abandonado donde se han alojado para vengar la afrenta sobre su nieta pero vuelve a casa malparado.

El niño Pete, nieto del veterinario, planea entonces una retorcida venganza. Inyecta sangre de un perro rabioso en unos pasteles de carne y cuando los acampados van a pedir comida como hicieron el día anterior el chaval les convence para que se los lleven.






En pocas horas los miembros del clan se ven poseídos por un fenesí que les incita a la agresión y a la violencia sin control.

Esta película fue clasificada “X” por la MPAA (Asociación Cinematográfica de América). Para poder distribuirla en el circuito comercial con la calificación “R” (sólo mayores de 18 y de 17 acompañados) el director tuvo que recortar el metraje a 83 minutos. Este ha sido el formato más conocido del film hasta que a principios del año 2000 la compañía de distribución Grindhouse Releasing de Bob Muraski y Sage Stallone, el fallecido hijo de Silvester, presentaron la versión original de 90 minutos remasterizada.







La calificación “X” que se le otorgó no fue por contener escenas de sexo explícito sino por el elevado nivel de violencia que muestra. Esto ha generado la leyenda de que se trata de un film ultragore y no es así. Contiene numerosas escenas sangrientas pero lo que realmente puede herir la sensibilidad del espectador es su sordidez, mal gusto, perversidad, locura, blasfemia, crueldad e inmoralidad.

¿Es “Perros Rabiosos” una comedia? A mi no me lo parece a no ser que podamos encontrar comicidad en “2000 Maniacos” (1964) o “La Matanza de Texas” (1974).

Comparte con estos films una subterranea sátira de los usos y costumbres de la américa profunda más reaccionaria. El que estamos comentando arremete directamente contra el peligro que representaba para el sueño américano la generación Hippie, con sus drogas, su música y su peligroso mensaje de paz, amor y libertad. Para transmitir esa idea nada como presentar un grupo de personajes que el espectador pudiera identificar con la familia Manson que un año antes habían sembrado el terror en la sociedad USA. De hecho uno de los personajes en la película es torturado, colgado y le escriben sobre la piel la palabra “pig” con un lápiz de labios rememorando alguno de los horrores sucedidos en Cielo Drive.

Hay dos personajes clave en “Perros Rabiosos”. El líder de la secta y el nieto del veterinario.

Me horroriza que en un film como este tenga protagonismo un niño pero hay que quitarse el sombrero con el trabajo del actor y con el personaje. Con dos cojones protagoniza algunos momentos memorables con un desparpajo y un carisma impresionantes.

Se enfrenta a los pandilleros, rescata a su abuelo y les prepara la trampa que desencadena el desastre.

Atención especial a cuando prepara el maletín y busca en plena noche al perro rabioso para matarlo y extraerle la sangre.

Y cuando advierte a los nuevos inquilinos del hotel “está sucio y lleno de ratas” a lo que le contestan “no pasa nada, haremos una cacería y luego las asaremos”. La gracia está en que Pete y los espectadores creemos que lo dicen en sentido figurado.

Horacio Bones está interpretado por el actor y bailarín nacido en India Bhaskar Roy Chowdhury.

El protagonista hace una creación insuperable del carismático gurú. Sin duda es uno de las mejores interpretaciones de un psicópata de la historia del cine. Cínico, ambiguo, cerebral, altivo, líder, violento, desconsiderado, despótico y cuando quiere dulce y encantador.

Su físico portentoso le permite exhibir agilidad felina y hace que resulten creíbles los espasmos abdominales que le produce la rabia.

A destacar:

-El comienzo de la película que muestra a la banda en pleno ritual, desnudos en el bosque. Escenas nocturnas muy atmosféricas.





-La broma que le gastan a Shelley que se queda dormido en la furgoneta. Horacio disfruta como un crío.

-La salvaje llegada al viejo hotel del clan. Una forma muy particular de “okupar”.

-Sue Lin y su tarot mostrándole el camino a Raul para hacerle la pascua a Shelley. Personaje fascinante la mujer oriental.





-Raul enloquecido sembrando el terror por donde pasa.

-Sylvia enfebrecida por las drogas y el virus en actitud ninfomaníaca dispuesta a contagiar a todos los obreros de la presa. Los tensos momentos en el barracón son de lo más desagradable del film.





-El recibimiento de Horacio a los dos pardillos de la presa que van a investigar a su guarida.

-El momento “Moulinex” en casa de la hospitalaria vecina.

-Las hordas de operarios machete en mano.





-El asalto a la panadería inspirado claramente en “La noche de los muertos vivientes” (1968)

-Imágenes que no aprobaría ningún amante de los animales con la gallina, las ratas o la cabra.

Efectiva e irritante banda sonora que aporta sensación de mal rollo.
David Durston interpreta con autoridad al Doctor Oakes.

“Perros Rabiosos” es un clásico de imprescindible visión para aficionados al cine más transgresor de los 70. 

Exploitation de alto voltaje que aspiraba a distraer durante hora y media al público estadounidense de pesadillas de la vida real como la crisis económica, la guerra de Vietnam, los conflictos raciales o las tensiones con la URRS.


Notas:

- Grindhouse es el término con el que se denominaba a las salas donde se proyectaban films de serie B, Z y pura exploitatión. Se hizo popular cuando Tarantino y R. Rodriguez lo homenajearon con su proyecto del 2007 compuesto por los films “Death Proof” y “Planet Terror” concebido para proyectarlos juntos. En España desde luego no fue asi, se estrenaron y editaron en DVD por separado.

-“Perros Rabiosos”, "I Drink Your Blood" en origen, se presentó por el productor para ser proyectada en cines y autocines como programa doble en compañía de un film de zombies y vudú en blanco y negro retitulado para la ocasión como “I Eat Your Flesh”. Vamos, que pocos títulos encajarían mejor en el término Grindhouse que la película de Durston.

- Parece que esta película causó profundo impacto a David Cronenberg. La influencia se aprecia obviamente en “Rabia” (1977) y en “Vinieron de dentro de…” (1975) donde le dio un papel co-protagonista a Lynn Lowry (La silenciosa Carrie en “Perros Rabiosos”)

- ¿Qué llevó a Bhaskar Roy Chowdhury, reputado coreógrafo y profesor de baile clásico a protagonizar “Perros Rabiosos”?
Probablemente por diversión, amistad con el director y una buena relación que trascendió lo profesional con el tipo que sirvió de modelo para la cabeza cortada que aparece al final. Durston por su parte parece ser que también inició una duradero romance con John Damon, el actor que encarnaba al capataz Roger.
Es curioso que una película tan poco romántica como esta resultara propicia para que surgiera el amor durante el rodaje. Especialmente desconcertante que además fuese amor gay.








Calidad cinematográfica:  7


Psicotronia:  8


Gore:  7

lunes, 12 de enero de 2015

LA CASA FANTASMA (1988)



Título original: “La Casa”

Aka: “Ghosthouse”, “Ghost House: El poder del mal”

Dir.: Humprey Humbert (Umberto Lenzi)

Terror / Gore.

Italia.- 90 / 95 Min. (Uncut)

Dolby Stereo.- Eastmancolor.- 35 Mm.

Música: Piero Montanari.- FX.: Pietro Tenoglio.





Otros efectos: Robert Gould, Dan Maklansky, Roland Park. 

Fotografía: Franco Delli Colli

Guión: Cinthia McGavin, Umberto Lenzi, Sheila Goldberg.

Prod.: Filmirage (Joe D'Amato)


Intérpretes: Lara Wendel (Martha), Greg Scott (Paul Rogers), Mary Sellers (Susan), Ron Houck (Mark Dalen), Martin Jay (Jim Dalen), Kate Silver (Tina Dalen), Donald O'Brien (Valkos), Kristen Fougerousse (Henrietta Baker), Willy M. Moon (Pepe), Susan Muller (Sra.Baker), Alain Smith (Sam Baker), William J. Devany (Teniente), Ralph Morse (Coronel), Robert Champagne (Mortuorio), Hernest Mc. Kimnoro (Guarda del cementerio)


Humprey Humbert era el nombre de Umberto II “El Gordo de Maurienne” Conde de Savoya.

También es un seudónimo del psicotrónico Umberto Lenzi, estilista de la caspa y la spaguetti-exploitation. Especialista en manejar presupuestos de serie B con resultados sólidos y en ocasiones brillantes ya fuese en western, peplum, gangsters, terror, mondo…

“La Casa Encantada” es uno de sus últimos films. Se vendió como tercera parte apócrifa de la serie de Sam Raimi “Posesión Infernal” que en Italia había sido distribuída como como “La Casa” (“Evil Dead” 1981) y “La Casa II” (“Terroríficamente Muertos”/“Evil Dead II” 1987).

Producida por Joe D`amato, otro artista del subgénero, se trata de una obra de bajo presupuesto, con pocos actores y un mismo escenario, un caserón en las afueras de Massachusetts próximo a un cementerio. Hay que decir que la película está filmada realmente en los lugares de EE. UU. que vemos en imagen.

Paul, es un radioaficionado que capta un mensaje de socorro en su receptor. Localiza la procedencia y decide marchar con su novia a investigar.

Alli se encuentra con otro practicante de la comunicación por radio que admite como suya la voz que tiene grabada Paul pero niega haber hecho esa emisión.

Para aclarar el misterio deciden pasar allí la noche Paul con su novia Martha y por otra parte su nuevo amigo Mark con su novia Susan y sus hermanos Tina y Jim.

La casa tiene una historia, hace veinte años se cometieron unos asesinatos y parece ser que hay una presencia que no descansa y provoca fenómenos que pueden llegar a ser muy perjudiciales para los incautos que se acercan a curiosear.






En el argumento cabría destacar como novedoso (para 1988) el tema de los radioaficionados. A mi este hobby siempre me pareció una gilipollez. ¿Habiendo teléfono y telégrafo para que coño servía estar pendiente del jodido cacharro a ver si te saluda un tipo de Logroño o de Cadiz? Vale para los barcos o lugares aislados pero en una capital de ciudad me parecía ridículo. Sin embargo aquella práctica desfasada se podría comparar a lo que es ahora Internet o el Wassap.






La cuestión es que introducir la tecnología en una clásica historia de fantasmas no era descabellado aunque tampoco Lenzi inventaba nada que no hubiesen popularizado ya Spielberg y Hooper en “Poltergeist” (1982).

La endeblez y la poca originalidad del resto se compensa con el aplicado hacer del director que no duda en hacer uso de la truculencia en los momentos en que la historia empieza a hacerse aburrida. Parece un film de Lucio Fulci pero con la coherencia narrativa de la que carecen los films más esotéricos del realizador de “El Mas Allá” (1981). De hecho “La casa Fantasma” se rodó en el mismo inmueble donde Fulci realizó “Aquella Casa al Lado del Cementerio” (1981)


Si algo hace atractiva la visión de este film es la atmósfera y la excelente fotografía, con un contundente flashback familiar inicial y con todo lo que acontece después en la casa.





La niña Henrietta es ideal en cada una de las apariciones con su tétrico payaso.
Yo no soy de los que se acojonan con los payasos pero he de admitir que en esta película está muy conseguido como elemento de terror, acompañado en sus apariciones con una musiquilla horripilante.


Los actores cumplen, que es lo mínimo que se les puede pedir en un film como este. Muy por encima del elenco que suele aparecer en cualquier secuela de “Viernes 13” por citar un ejemplo. Me gusta especialmente el trabajo de Susan (Mary Sellers).

Los mejores momentos son las manifestaciones sobrenaturales y las muertes creativas, alguna bastante gore. Buenos FX.





La presencia final que de repente amenaza a Susan es espeluznante.

La notable banda sonora contribuye en buena medida a la sensación de mal rollo.

“La Casa Fantasma” es un correcto film de fantasmas. No da miedo pero tiene sus momentos de impacto. Y además acaba mal. Buen terror de los 80 típicamente italiano.



Notas:

-“La Casa 3” tiene dos secuelas: “La casa 4 – Witchcraft” (1988)  de Fabrizio Laurenti y La casa 5 (1990) de Claudio Fragasso.

-Hay otra saga japonesa inspirada originalmente en “Posesión Infernal” que comienza con “Evil Dead Trap” (1988) conocida por estos lares como “Tokyo Snuff”. 





Calidad cinematográfica:  6

Psicotronia:  7

Gore:  7

jueves, 8 de enero de 2015

CAPITAN AMERICA: EL SOLDADO DE INVIERNO (2014)



“Captain America: The Winter Soldier”

Dir.: Anthony Russo, Joe Russo

Acción / Thriller / Superhéroes

EE.UU.- 136 Min.- Color.

35 Mm.- Digital / 3D

Sonido: Datasat /Dolby D./Dolby Atmosférico

Música: Henry Jackman

Fotografía: Trent Opaloch




Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely, Ed Brubaker, Simon & Kirby

Prod.: Stan Lee, Victoria Alonso, Mitchell Bell, Louis D'Esposito, Kevin Feige, Alan Fine, Michael Grillo, Nate Moore, Lars P. Winther

Prod Co.: Marvel Studios, Perception, Sony Pictures Imageworks (SPI).


Intérpretes:  Chris Evans (Capitán América), Scarlett Johansson (Viuda Negra), Robert Redford (Alexander Pierce), Samuel L. Jackson (Furia), Sebastian Stan (Soldado de Invierno), Anthony Mackie (Sam Wilson / Halcón), Cobie Smulders (María Hill), Frank Grillo (Brock Rumlow), Maximiliano Hernandez (Jasper Sitwell), Emily VanCamp (Agente 13 / Kate), Hayley Atwell (Peggy Carter), Toby Jones (Doctor Zola), Stan Lee (Vigilante museo), Callan Mulvey (Jack Rollins), Jenny Agutter (Mrs. Hawley), Georges St-Pierre (Batroc), Ed Brubaker (Científico)…


No siempre es buena idea que un guionista de cómics se ponga detrás del guión de una película. La realización de un tebeo cuenta con más independencia y control de la obra aunque esté condicionado por la dirección editorial de una empresa como Marvel. En una gran producción de Hollywood el lenguaje es diferente y la libertad está limitada y supervisada por el productor y por el o los directores.

En esta ocasión se ha respetado el trabajo de Ed Brubaker, tal vez porque en el equipo de producción está el mismísimo Stan Lee que conoce a sus personajes mejor que cualquier ejecutivo del negocio cinematográfico y lo que es más importante, siempre ha tenido la facultad de seducir al público con la cercanía de sus personajes e historias.

En colaboración con Christopher Markus y Stephen McFeely responsables del guión de “Capitán América: El Primer Vengador” (2011) ha creado una aventura que adapta su propio trabajo en el comic-book y logra introducir por debajo del despliegue de increíbles efectos especiales una trama conspiratoria que nos devuelve a los mejores años “pulp” del superhéroe abanderado. Introduce a “su” personaje “El Soldado De Invierno” y nos lleva junto a los protagonistas en un viaje a través del tiempo analizando los acontecimientos que desencadenan la amenaza presente a la que se enfrentan.



Creo que en la gestación de su obra para Marvel, Brubaker tuvo presentes los números clásicos escritos por Lee e ilustrados por Gene Colan  “Captain América 131-132” (1970) en los que después de un enfrentamiento con el villano “Batroc”, la agencia criminal I.M.A. encarga al Dr. Muerte la creación de un robot androide que pueda acercarse a Steve Rogers sin levantar sospechas y ganarse su confianza antes de matarle. Pero Modok no contaba con que Muerte crease un monstruo tan perfecto que acabase teniendo emociones y sentimientos humanos.






Así que en esta película tenemos al “Soldado de Invierno”, a la “Viuda Negra”, a los nazis de “Hydra”, a Nick Furia y a “Shield” involucrados en una intriga que puede hacer tambalearse al Gobierno de la nación con autoridades implicadas al más alto nivel. Doble juego, un estado dentro del estado, conspiración…




En el film del 2011, Joe Johnston, el director de ”Cariño, he encogido a los niños” (1989) y “Jumanji” (1995), realizaba una cinta magistral en su primera parte pero que decaía y se volvía sosa y previsible en la parte final.

En “El Soldado de Invierno” sucede lo contrario, Anthony Russo y Joe Russo, directores curtidos en teleseries, se ven totalmente superados por la tremenda superproducción durante la primera mitad de la película consiguiendo remontar al final dejándonos momentos memorables y emocionantes.

El argumento engancha desde el minuto uno. Samuel L. Jackson por fin es creíble como Nick Furia. Johansson se adueña de Romanoff con sus rasgos exóticos y una buena interpretación. Chris Evans con su imponente físico y rostro de querubín preocupado por aprobar todos los exámenes es perfecto para vestir el uniforme de la estrella.

Falla uno de los peores vicios del cine moderno que ya estropeaba toda la introducción de “Los Vengadores” (2012): el montaje frenético que agrupa miles de planos en un mínimo espacio de tiempo dando la impresión de que pasan muchas cosas pero no las ves. Quien solamente haya visto una vez está película ¿recuerda la cara o el traje de “Batroc”? ¿o con cuantos vehículos se estrella el Chevrolet Tahoe de Furia?





Las peleas cuerpo a cuerpo se ven especialmente perjudicadas porque no se pueden apreciar las técnicas de combate dando la impresión de que te están engañando.



En el rol de Batroc tenemos a Georges St-Pierre, un campeón mundial canadiense de artes marciales mixtas. Está un poco desaprovechado pues su presencia es muy enérgica. El original del cómic es un maloso secundario francés, mercenario, fanfarrón y lenguaraz maestro de savate (Kick Boxing a la francesa). Por qué los malvados franceses acostumbran a lucir mostacho o bigotillo característico es un misterio para mi.





No es hasta que el Jefe de SHIELD aparece en el apartamento de Rogers que parece que los directores le tomen el pulso a lo que tienen entre manos.

Esto es una apreciación muy subjetiva porque no puedo saber el orden en que se rodaron las escenas. No necesariamente se puede haber grabado en el orden en el que luego se edita después del paso por montaje.

La cuestión es que es a partir de ese momento cuando vemos una mejor planificación de las escenas. Cada detalle empieza a cobrar importancia, los diálogos, las miradas, los planos están más cuidados y no sucede todo con tanta precipitación. En el hospital ya la tensión causada por la desconfianza va en aumento y llega al clímax en los momentos previos a la pelea en el ascensor.

La presencia de Robert Redford aporta empaque al conjunto. Aunque ya está un poco amojamado su estampa y su clase siguen siendo imponentes.






Johansson es una mujer muy hermosa y una aceptable actriz. Para mi gusto un tanto fría, como que transmite poco. No es así en esta película. En mi opinión el mejor trabajo de su carrera. Se ha adueñado del personaje que ya interpretó en “Los Vengadores” (2012) y en “Iron Man 2” (2010) y difícilmente podremos disfrutar en el futuro de una “Viuda Negra” como esta si no es con la actriz de ascendencia danesa metida en su ajustado traje.

Me repateaba que a Nick Furia lo encarnase Jackson. Porque es un personaje con mas de medio siglo de existencia, clásico del universo Marvel y de raza blanca, un tipo duro, una especie de James Bond militar al servicio del Gobierno USA. Siempre lo imaginé interpretado por alguien como Rock Hudson, Sean Connery o Mel Gibson. De hecho hay un telefilm sobre él de 1998 protagonizado por David Hasselhoff que todavía no he podido ver aunque tengo una copia doblada al francés. Nunca entendí la necesidad de cambiarle de raza.
Bien, pues será por el guión o por su mayor presencia en el metraje pero me tengo que quitar el sombrero en esta ocasión con este Furia negro. Magnífico.





También es motivo de celebración para los fans la presencia del “Halcón”. Un personaje que apareció en la vida del Capitán en el número 117 (1968) de su colección y sirvió para involucrar al gran superhéroe americano en los problemas sociales y raciales de la época. Sam Wilson, un chico de Harlem aficionado a las aves, entrenado por Steve Rogers para organizar una revolución en una isla de tropical contra la tiranía del psicotrónico grupo de supervillanos “Los exiliados”. De vuelta a Nueva York “Halcón” se convierte en el camarada hermano de Rogers en una etapa en la que el Vengador se siente solitario e inadaptado en medio de una crisis de identidad.

Otros guionistas después del magistral trabajo de Stan Lee han hecho modificaciones innecesarias en la biografía de Wilson. Imposible mejorar el encanto original del personaje afroaméricano de aspecto típico de los sesenta entre Sidney Poitier y Muhammad Ali.

Anthony Mackie, el boxeador fanfarrón a quien Morgan Freeman pone las pilas en “Million Dollar Baby” (2004), hace una buena interpretación de este nuevo “Falcon”. El personaje encaja dentro de este versión cinematográfica del mundo Marvel. Desprende humanidad y heroísmo. La pega es que no acabo de entender como puede mantenerse en pie con el peso del arnés que le permite volar. Y lo más importante que se echa en falta: “Ala Roja” , el auténtico y entrañable halcón, que se queda fuera de la historia.






“El Soldado de Invierno” es un film que aunque dura más de dos horas se hace corto. Va dosificando las escenas de acción con las de intriga y desarrollo de los figurantes. Cuando definitivamente explota es cuando Rogers, Natasha, Wilson y el agente Sitwell van circulando en el Chevy Impala por la autovía y se tropiezan con la emboscada.

Solo por estas secuencias esta película ya merece figurar con letras de oro en la historia  del moderno cine de superhéroes. Absolutamente magistrales. Si bien al principio del film todo resultaba demasiado amalgamado, llegando a esta parte funciona de forma asombrosa con un realismo que contrasta con la hiperbólica ficción que muestra.

Nos relajamos con la huída del trío protagonista y nos preparamos para el gran final donde ya el desparrame es total. Grandioso. Stan Lee puede estar orgulloso de la forma en que se han llevado sus ideas a la imagen real.

El villano de esta película es complejo y transmite una poderosa sensación de peligro. Cada aparición nos tiene en alerta y pone en verdaderos apuros a los chicos buenos.





A tener en cuenta que después de los primeros y exquisitos créditos del final hay alguna sorpresa.




“Capitán America: El soldado de invierno” no creo que defraude ni a los viejos fans ni a las nuevas generaciones. Es un film muy sólido y espectacular que plasma de forma certera la personalidad y el entorno del hombre entregado a la defensa de la libertad y la democracia sin resultar propagandístico ni empalagoso. Grandes estrellas de Hollywood y FX de locura pero sin olvidar que todo viene de un comic book.


Notas:

¿Tendrá algo que ver que el guionista se apellide Brubaker con la presencia de Robert Redford en el film?








Calidad Cinematográfica:  8

Psicotronia:  5

Gore:  3