MUTACION CRIMINAL (1974)

Dir.: Jack Cardiff

"The Mutations"

Terror / Ciencia Ficción

USA / Reino Unido

92 Min.- Eastmancolor

35 mm.- 1.85 : 1

Sonido: Monoaural Westrex

Música: Basil Kirchin; Jack Nathan

FX.: Mike Hope



Maquillaje especial: Charles Parker

Guión: Edward Mann ; Robert D. Weinbach  

    

Fotografía: Paul Beeson; Efectos time-lapse: Ken Middleham

Producción: Robert D. Weinbach; Brad Harris, Herbert G. Luft (Asociados); J. Ronald Getty (Ejecutivo)

Prod. Co.: Cyclone; Getty Pictures Corp.

Intérpretes: Donald Pleasence (Professor Nolter); Tom Baker (Lynch); Brad Harris (Brian Redford); Julie Ege (Hedi); Michael Dunn (Burns); Scott Antony (Tony); Jill Haworth (Lauren); Olga Anthony (Bridget); Lisa Collings (Prostituta); Joan Scott (Casera); Toby Lennon (Vagabundo); John Wireford (Policía); Eithne Dunne (Enfermera); Tony Mayne (Enano Tony); Molly Tweedlie (Enana Molly); Kathy Kitchen (Enana Kathy); Fran Fullenwider (Mujer Obesa); Lesley Roose (Mujer esqueleto); Fay Bura (Mujer Barbuda); Bob Bura (Comefuego) ; O.T.O.T. (Alfiletero humano); Madge Garnett (Mujer Mono);Willie Ingram (Popeye); Hugh Baily (Chico nudo); Félix Duarte (Hombre rana); Esther Blackmon (Mujer Cocodrilo); Richard Davies (Doctor); Harry Fielder (Vocero en la feria); Pepe Poupee (Científico granuja); Fred Wood (Público en la feria)

El Doctor Nolter imparte clases de biología en una Universidad de Inglaterra. Sus investigaciones se centran en el DNA de plantas y animales y en las mutaciones. Defiende la teoría de que la ciencia podría manipular genéticamente a los seres vivos para conseguir un adelanto en la evolución que permitiera mejorar la especie humana adquiriendo propiedades de los vegetales. Tiene tres bellas alumnas que le escuchan con interés, Bridget, Lauren y Hedi. Ellas tienen una estrecha amistad con Tony Clayton, otro alumno guapete, excéptico y socarrón que se burla a menudo de las lecciones del profesor.

Tony recibe el encargo de ir a recoger al aeropuerto al Doctor Brian Redford,  un norteamericano que abandonó la carrera militar para centrarse en la biología. Lauren y Hedi le acompañan y los tres quedan con Bridget para verse después. Bridget nunca llega a casa.

El Doctor Nolter hace horas extras en el laboratorio de su mansión ayudado por Lynch, un oscuro individuo socio del propietario de una atracción de feria compuesta por personas con particularidades físicas especiales. Lynch hace trabajos turbios para el Profesor que le ha convencido de que si le ayuda con sus investigaciones  conseguirá encontrar una cura para las deformidades de su rostro.

 Tony, Hedi y Lauren salen por la noche con el Doctor Redford y van a ver la feria de fenómenos de Burns & Lynch. Al final del espectáculo hay que pagar un extra para ver en una habitación aparte a “La Mujer Lagarto”, el número especial pero no les quieren vender entradas. 

Tony se queda con la mosca detrás de la oreja porque cree reconocer el medallón de Bridget en el cuello de Burns, el socio de Lynch y cuando la feria cierra al público decide ir a investigar.

Para escribir está reseña me he puesto como música de fondo el álbum “Phaedra” (1974) de Tangerine Dream porque es la clase de ambientación que me viene a la mente con el principio de “Mutación Criminal”, una maravillosa mezcla de sonidos de sintetizador que envuelven una melodía perfecta para contemplar las preciosas imágenes en las que vemos desarrollarse organismos vegetales y hongos mediante la técnica de “Time Lapse” que permiten ver en pocos segundos escenas que se han desarrollado durante horas o días. Sin duda uno de las presentaciones de los títulos de crédito más fascinantes que he visto en una película.

Y es que el director Jack Cardiff si de algo entiende es de fotografía, ha trabajado como director de ese departamento con Michael Powell, John Huston, Mankiewicz, Vidor…

Su carrera como realizador no ha dejado obras especialmente reconocidas pero si que hay una impronta en sus películas que las hace especiales con un típico regusto inglés de serie b, un entusiasmo contagioso y un elegante acabado.

“Mutación Criminal” está lastrada por un buen montón de clichés evidentes del género de terror pero que destaca por su peculiar atmósfera, por su mordaz y soterrado humor negro y ante todo porque es un homenaje excepcional a uno de los pilares fundamentales en la historia del cine fantástico: “La parada de los Monstruos” (1932).

Cardiff nos sitúa en la Inglaterra moderna, con un Pleasence que cuatro años antes de “La Noche de Halloween” ya estaba curtido en mil batallas en TV y cine. Justo venía de rodar en España “La Loba y la Paloma” (1974) con Carmen Sevilla y por avatares del destino o de los agentes y directores de casting acabó en el proyecto de “Mutación Asesina” junto a Michael Dunn su también compañero de reparto en el film de Gonzalo Suarez. El personaje de Profesor excéntrico le viene al pelo para su calva y sus luminosos ojillos azules. Tiene que defender sus teorías sobre manipulación de ADN y clonación ante unos jovenzuelos universitarios que le toman el pelo y tontean con LSD y otras hierbas. Y es que de hierbas va la cosa.

El retrato que hace Cardiff de esta juventud típicamente británica es amable pero también acerado porque estamos ante un film de terror que se va oscureciendo poco a poco. Empezando cuando entre las brumas del parque aparecen dos de los enanos de la feria y conocemos a Lynch, un impactante personaje interpretado por el actor de “Dr. Who” Tom Baker.

Descubrimos que Lynch a la vez que ayudante de Nolan en la tarea de conseguir voluntarios forzosos para experimentar en el laboratorio es socio de Burns (Michel Dunn), propietario de la feria ambulante. Lynch tiene una cara monstruosa y confía en que el Doctor podrá encontrarle una cura.

 

Hay que decir que los actores que integran el elenco de fenómenos son en la vida real como aparecen en la película y formaban parte de la troupe del circo de Alabama de Walter L. Wanous & Sons.

Para hacer de contrapunto al tontaina de Tony, chico de la película, aparece el actor americano Brad Harris que interpreta al Dr. Brian Redford. Es un Doctor poco creible con su poderoso físico de jugador de rugby y actor de péplum italiano pero aporta carisma con un cierto glamour. Además es productor asociado y eso da mando en plaza.

Las tres chicas están correctas como señoritas bien pero un poco alocadas y lucen espléndidas, sobre todo la tremenda noruega Hedi (Julie Ege) que pronto se agarra al brazo de Redford. Tenemos ocasión de verla fugazmente en la bañera.

También está deslumbrante la británica Lisa Collings que interpreta a la señorita que da “clases de baile” a domicilio en su apartamento. Este es uno de los momentos más sórdidos de la película, con el deambular nocturno de Lynch buscando a alguien que le diga “Te quiero” a cambio de unas cuantas Libras.

Todas las escenas nocturnas en la calle o en interiores están resueltas de forma muy atmosférica, sin rehuir primeros planos y con una muy sugestiva iluminación que hace que los colores resulten hipnóticos y no perdamos detalle.

Fascinante resulta también el laboratorio de Nolter luminoso y psicodélico a la vez que hogareño. Un acogedor matadero.

Destacan:

 

-El seguimiento a Bridget por el brumoso parque. A plena luz del día en una situación en la que es fácil identificarse con la asustada chica.

-La feria y el tenso ambiente que se respira entre sus miembros y los propietarios. 

-Memorables las impresionantes actuaciones de Popeye, el nudo humano, la mujer cocodrilo y el resto de compañeros. Shocking moments.

-El homenaje directo a “La parada de los Monstruos” en el cumpleaños de Kathy cuando invitan a Lynch y dicen aceptarle porque es “One of Us” y él responde violentamente.

 

-El “nuevo” Tony y su encuentro con el vagabundo.

-La horripilante mujer lagarto.

-Nolter haciendo injertos cual labrador en sus frutales. 

-Los dobles sentidos en algunos diálogos como cuando Lauren ofrece a Redford un pitillo y éste mirando golosamente a la grandullona Hedi responde “No, pequeñeces no” 

-El 1965 Jaguar Mk.II 3.4 Litre de Tony y el 1970 Rover 3500 V8 MkI de Nolter. Automóviles genuinamente British.

Los FX son un poco casposos pero cumplen dentro del tono general de serie B de la película. Nos ofrecen algunos buenos momentos. Impresiona la deglución y expulsión de su presa que hace la criatura vegetal en las escenas finales.

“Mutación Criminal” supera la endeblez del guión con una buena puesta en escena, una deslumbrante fotografía y algunas atrevidas sorpresas. Vale la pena.

 

Notas: 

-Donald Pleasence vuelve a ser un Doctor en “La Noche de Halloween” (1978), en “Solos en la Oscuridad” (1982), con Argento en “Phenomena” (1985) y en alguna otra ocasión más como “The Devonsville Terror” (1983).

-Seguro que Tobe Hooper tuvo presente “Mutación Criminal” cuando preparaba su maravillosa “La casa de los horrores” (1981)

Calidad Cinematográfica:  7

Psicotronia:  8

Gore:  5

LA VIDA DE PI (2012)

“Life of Pi”

Dir.: Ang Lee

Dramático / Aventuras

USA / Taiwan / Reino Unido

127 Min.- Color.

Dolby Digital / Datasat / SDDS

35 mm.- 3D.- Digital.- 1.85 : 1 y otros formatos.

Música: Mychael Danna

FX.: Barrie Grober, Robin Pritchard, Chris Lyons, David Bronson, Javier Contreras, Donald Elliot, Scott Erb y un amplio equipo técnico.

Guión: David Magee sobre la novela de Yann Martel

Fotografía: Claudio Miranda

Producción: Kevin Richard Buxbaum, Jean-Christophe Castelli, William M. Connor, Ang Lee, David Lee, Michael J. Malone, Gil Netter, Pravesh Sahni, David Womark.

Prod. Co.: Fox 2000 Pictures, Dune Entertainment, Ingenious Media, Haishang Films, Big Screen Productions, Ingenious Film Partners, Netter Productions, Province of British Columbia Production Services Tax Credit, Québec Production Services Tax Credit

Interpretes: Suraj Sharma (Pi Patel); Irrfan Khan (Pi Patel adulto); Ayush Tandon (Pi Patel 11-12 años); Gautam Belur (Pi Patel 5 años); Adil Hussain (Santosh Patel); Tabu (Gita Patel); Ayaan Khan (Ravi Patel 7 años); Mohd. Abbas Khaleeli (Ravi Patel 13-14 años); Vibish Sivakumar (Ravi Patel 18-19 años); Rafe Spall (Writer); Gérard Depardieu (Cocinero); James Saito (Investigador de aseguradora); Jun Naito (Joven investigador de aseguradora); Andrea Di Stefano (Sacerdote); Shravanthi Sainath (Anandi)

El director Ang Lee está tocando el cielo. No he visto una película de él que no me haya gustado. Colecciona premios, entre ellos dos Oscar al mejor director, y sus producciones ganan dinero.

“La Vida de Pi” no tuvo una correcta promoción en España, ya que la oferta de ver la aventura de un naúfrago que pasa los días en una barca de salvamento en compañía de un tigre puede parecer algo tedioso para soportar durante dos horas. Pero esta película es mucho más que eso.

Pi Patel es un chico que vive en Pondicherry una antigua colonia francesa en India. Su padre es propietario de un zoo y viven lo suficientemente desahogados como para que no les falte de nada y el joven Pi pueda acceder a una buena formación. Despierto, inteligente y estudioso pronto descubre la forma en que no se burlen de él a causa de su nombre. Aunque su progenitor es radicalmente de izquierdas Pi se interesa por la religión y su influencia en las personas y el mundo que le rodea, naciendo en él un profundo sentido de la espiritualidad.

Los vaivenes políticos motivan que la familia venda la mayoría de sus posesiones y se embarquen rumbo a Canada con algunos de sus más valiosos animales pero un fuerte temporal interrumpe el viaje.

Pi acaba como único superviviente en un bote de salvamento en compañía de una hiena, un orangután, una cebra y un tigre de bengala. Tendrá que ingeniárselas para sobrevivir junto a unos seres tan desesperados por mantenerse con vida como él mismo.

“La Vida de Pi” es un film concebido para deslumbrar. Queda claro desde los preciosistas títulos de crédito donde vemos unas bellas estampas de animales asiáticos en un escenario que es parte fundamental de la historia. Nos envuelve también una deliciosa melodía acorde con la cultura que se refleja en la película. Magnífico el tema central interpretado por Bombay Jayashri. 

Enseguida nos encontramos con el protagonista en edad adulta que en su casa recibe y charla con un escritor interesado en conocer su vivencia personal. Le va contando episodios de su infancia, como el origen de su singular nombre. Las secuencias que ilustran estas anécdotas nos recuerdan a otros grandes clásicos como “Amarcord” (1973), “Días de Radio” (1987) o “Amelie” (2001), obras en las que se retrata el pasado de forma sensible, preciosista, amable y divertida sin dejar de lado una inteligente ironía. La belleza de las imágenes se aproxima por momentos a referentes como “Muerte en Venecia” (1972) o “Ojos Negros” (1987). ¿Son exageradas estas comparaciones? Yo creo que no. Ang Lee es un tipo inteligente y sabe combinar la espectacularidad y la narrativa del cine americano, la corrección y profundidad del europeo y la sensibilidad artística del oriental.

Cuando ya estamos enganchados con la historia de esta particular familia, con su entorno mágico multicultural y con todos los deliciosos personajes secundarios que les acompañan se produce una ruptura que nos sitúa en la aventura principal del protagonista y que lleva todo el peso de la película, la obligada convivencia en un bote de rescate teniendo que disputarse el espacio y los recursos con un enorme tigre de Bengala.

Para llegar a este punto hemos asistido a unas increíbles secuencias del barco que se convierte en un juguete sometido a las fuerzas de la naturaleza desatada. Hay mucho de FX informáticos en estas escenas y en otras posteriores pero la épica y la grandeza con la que el director consigue plasmar estos momentos para la gran pantalla están mucho más próximos al cine clásico de aventuras que lo que nos han podido ofrecer en toda su filmografía Spielberg o James Cameron por citar referentes modernos del gran espectáculo.

Concluído el largo flashback que es la experiencia de Pi por sobrevivir volvemos al presente donde se nos deja como epílogo una reflexión sobre la realidad o la fantasía sobre las que se erigen la cultura de las civilizaciones, mitos y religión.

Inevitable que nos venga a la memoria con esta estructura de escritor que escucha una historia con epílogo de desencanto otra película de un gran narrador de aventuras como fue John Huston: “El Hombre que Pudo Reinar” (1975)

Memorable:

- La infancia de Pi, su tío coleccionista de piscinas, la inteligencia del muchacho para conseguir que los compañeros no se burlasen de su nombre.

- La curiosidad de Pi por la religión y la terrible experiencia con el tigre Richard Parker en el zoo

- El tropiezo con el cocinero en el barco. No hay menú vegetariano para los Patel lejos de casa.

- Toda la convivencia de Pi con los cuatro animales en el bote salvavidas y su evolución personal.

- Los excépticos agentes de seguros japoneses llevan al protagonista a inventarse una historia que ríete de la de “Gomia Terror en el mar Egeo”. ¿O no es un invento?

Curiosidades:

Algunas agrupaciones de defensores de los animales han protestado porque uno de los tigres que aparecen en la película estuvo a punto de ahogarse. La cuestión es que en la mayoría de las secuencias en las que aparece Richard Parker el felino es irreal. Por otra parte se me ocurren pocas películas que inviten a respetar y amar a los animales más que esta.

“La Narración de Arthur Gordon Pym de Nantucket” es una novela de Edgar Alan Poe en la que cuatro naufragos quedan abandonados en un bote uno de ellos se llama Richard Parker. Años más tarde en la vida vida real se hundió el barco Mignorette y uno de los supervivientes llamado Richard Parker sirvió de comida a los otros tres. En la historia que cuenta la película el tigre se llama Richard Parker por un error en el registro que confundió el nombre del animal con el del cazador que lo trajo al zoo.

¿Podemos considerar “La Vida de PI” una obra maestra? Desde luego en el plano técnico no cabe duda de que rompe muchos moldes a partir del respeto por los clásicos. Todas las imágenes del naufragio y posterior transcurrir de los días en el bote son maravillosas, con los animales, con la asombrosa fotografía de escenarios y fenómenos naturales, la premiada escena de los peces voladores, la isla viviente… 

Pero no podemos evitar pensar que “El Cisne Negro” (1942), “Narciso Negro” (1947),“El Hidalgo de los Mares” (1951), “La Mujer Pirata” (1951), “Moby Dick” (1956), “Centauros del Desierto” (1956), “Los Vikingos” (1958), “Grupo Salvaje” (1969), “Apocalypse Now” (1979),  Fitzcarraldo (1982) y otras tantas no necesitaron de tanto desparrame de FX digitales para dejarnos encandilados.

Y es que el único pero que se le puede poner a “La Vida de PI” es que al final el espectador queda un poco saturado de tanta espectacularidad y el conjunto se resiente un poco porque los aspectos más profundos de la obra se ven un poco desplazados.. Me pareció un film más equilibrado en este aspecto “Tigre y Dragon” (2000).

“La Vida de Pi” aunque resulta un tanto excesiva es un film con regusto de clásico en plena era digital, épico, sensible, inteligente e imaginativo. 127 minutos apasionantes que para nada se hacen pesados.

Calidad Cinematográfica:  8´5

Psicotronia:  7

Gore:  3

EL CHICO BIONICO (1977)

“Bionic Boy”

Dir.: Leody M. Diaz

Filipinas.- 95 min.- Color

Artes Marciales / Acción

35 mm.- 2.35 : 1

Sonido: Monoaural

Música: Ruben Schimano

Guion: Romeo N. Galang, Bobby A. Suarez

Fotografía:  Arnold Alvaro

Producción:  Bobby A. Suarez

Prod. Co.:  BAS Film Productions Inc.

Intérpretes: Johnson Yap (Johnson 'Sonny' Lee); Susan Beacher ; Kerry Chandler; Carole King; David McCoy; Steve Nicholson; Clem Persons; Debra Rogers; Ron Rogers; Kathleen Scherini; Lorli Villanueva (Madre)...

Entre los años 1973 y 1978 gozó de gran popularidad en todo el mundo la serie de televisión “El Hombre de los Seis Millones de Dólares” (“El Hombre Nuclear” en Sudamérica) protagonizada por el guaperas macho alfa Lee Majors. En España tuvo también una fuerte repercusión aunque en principio solo llegaron a nuestros receptores los episodios pilotos. Tiempo más tarde la recién creada “Antena 3” emitiría la serie regular y la cadena catalana TV3 el spin off “La Muer Biónica” protagonizado por Lindsay Wagner.

Narraba las aventuras de Steve Austin, un piloto que pierde un ojo, un brazo y las piernas en un grave accidente. Estos órganos le serán sustituídos quirúrgicamente por piezas biónicas que le proporcionarán facultades extraordinarias.

Esta clásica idea de novelas pulp de ciencia ficción y comic de superhéroes serviría de inspiración para muchos argumentos típicos de serie Z  encontrando su exploitation particular en varios films como este “Chico Biónico” producido en Filipinas.

Johnson Lee es un chico de diez años que acaba de conquistar el campeonato de kárate de Filipinas. Su padre es un importante agente de Interpol que actúa de incógnito mostrándose públicamente como abogado.

Frank, delegado de la mafia neoyorkina en Manila reúne un grupo de matones y mercenarios en su guarida localizada en una isla a 25 kilómetros de la capital. Pretende obligar mediante extorsion y amenaza a los empresarios filipinos más importantes a que limiten sus exportaciones únicamente a los Estados Unidos para que la organización criminal se beneficie con el transporte y el control de los precios en las transacciones.

Uno de sus primeros obetivos es Silverio Ramirez, fabricante de automóviles y distribuidor de contrachapado. Preparan un atentado contra él pero casualmente en el momento del ataque están presentes Johnson Lee y sus padres que frustran el acto criminal. Esto provoca que los Lee se conviertan en objetivo número uno de los mafiosos. Una emboscada contra la familia da como resultado que el chico sea el único superviviente aunque acaba gravemente herido.

Ramirez se siente responsable y asume la tutela del chico comprometiéndose a financiar todos los gastos médicos necesarios para recuperar a Johnson que incluyen el reemplazo de sus destrozadas piernas, brazo ojo y oído por piezas cibernéticas funcionales integradas en su cuerpo.

Johnson Lee una vez recuperado jura no descansar hasta que los asesinos paguen por lo que han hecho a su familia.

En los años 70 el singapurense Sunny Lim, promotor de wrestling y cine de serie B invirtió medio millón de dólares en varios proyectos uno de los cuales fue “Bionic Boy”, para ello confió en Bobby A. Suarez, productor y hombre de cine que reclutó para protagonizarla al niño de ocho años campeón de tae kwondo en Singapur. El éxito fue arrollador en Malasia, Filipinas y Singapur reportando pingües beneficios en taquilla y en merchadising: camisetas, helados, pegatinas etc.

El director Leody M. Diaz curtido en mil batallas de acción y serie z (“Batman Fights Dracula”.- 1967, sería un buen ejemplo) se puso detrás de las cámaras logrando crear una cinta trepidante y divertida que no tiene nada que envidiar a productos realizados en USA como los de Robert Clouse, Boaz davidson, Joseph Zito o similares.

Este es un film que aunque cuenta con un notable presupuesto que nos permite ver explosiones, helicópteros y paracaidistas se inscribe claramente en la serie B lindando con la Z. El guión es infantil y la psicotronia campa a sus anchas. Desde el principio en el que vemos al niño competir por el campeonato del mundo para pasar inmediatamente a la presentación de la familia Lee en un casposo concurso televisivo.

Típico de la serie Z es también ver a Frank y a su banda de mafiosos tramando sus fechorías en el salón de un apartamento.

Johnson Lee es un aguerrido mini actor que en la primera impresión nos sugiere un combinado entre Joselito, Bruce Lee y El Fary. Con su estilismo de trajes de pantalón muy acampanado y camisas rosas demuestra un gran carisma en escena y un portentoso dominio de las habilidades karatekas, elegante en su ejecución y gimnásticamente fuera de serie. No le cuesta nada llevarse al huerto al espectador. Para él la mejor defensa es el ataque y siempre vuelve cada vez que los enemigos creen que le han derrotado.

Otra cosa son los efectos especiales heredados de la serie original estadounidense de Lee Majors. Es desconcertante que cuando se supone que corre a la velocidad del guepardo veamos las imágenes de su carrera a cámara lenta.

También es típica de los telefilmes yanquis la música que acompaña las escenas de la operación, una escena larga en la que vemos a los cirujanos manipulando las piernecitas del chico y empuñando un serrucho, aunque la cámara evita detalles escabrosos.

Me gustan por otra parte los detalles propios de la cultura filipina, la visita al templo, las casas en medio del río, las playas, el parque donde se escenifican escenas de teatro, las vistas del volcán Mayon…

Vamos con momentos destacables:

-El cartel que hay sobre la mesa del Jefe Castro. Deja bien claro quien se sienta en ese sillón.

-Cuando Frank menciona a sus sicarios americanos que les expulsaron del ejército por arrasar en Vietnam un pueblo lleno de mujeres y niños. Ellos se descojonan recordándolo.

-La emboscada a la familia Lee. Para qué atravesar un tronco en la carretera pudiendo interceptar al vehículo con gigantescas retroexcavadoras.

-El combate contra los que atacan a Ramirez en su casa

-La exposición que hacen los médicos de sus estudios individuales. Se acompañan para ello de maquetas que recuerdan a las de la “Anatomía Humana” de nuestra infancia pero en versión aumentada y profesional.

-El estado permanente de party all time en la mansión de Frank.

-El penoso aspecto con que se presentan ante su jefe los que consiguen escapar de los sopapos de Johnson Lee a quien no le preocupa demasiado si en la pelea muere algún hampón.

-Las peleas que enfrentan a Lee con los especialistas de Frank en la playa. Puro cómic. Atención a la panza del experto en nunchakus.

-En el desembarco en la isla de la Interpol hay un tipo que lleva un traje mimetizado que parece el estampado de un arlequín. Lo matan dos veces consecutivas junto a sus dos compañeros. Eso o es que son muy hábiles esquivando las balas.

El final está descaradamente abierto a una segunda parte que se rodó para estrenarla dos años después: “Dynamite Johnson” (1979). Esta vez el productor Bobby A. Suarez se puso también la gorra de director.

La banda sonora tiene un tema principal con una melodía de sintetizador machacona y pegadiza. El resto es jazzístico, muy rítmico sostenido sobre percusión y guitarras wah wah.

En el reparto aparece el nombre de Carole King y algunas fuentes la identifican como la cantante famosa por temas como “It´s Too Late” o “You´Ve Got a Friend”. Yo no la he localizado durante el metraje y creo que aunque realmente hubiese participado en un papel muy secundario su nombre habría salido en letras grandes en los carteles promocionales del film.

Se hace necesaria una reedición respetando el formato original del film 2.35 : 1 sin que la imagen aparezca cortada por los lados.

Calidad Cinematográfica:  5´5

Psicotronia:  8

Gore:  4

NOCHE DE PAZ, NOCHE DE MUERTE (1984)

“Silent Night, Deadly Night”

Dir.: Charles E. Sellier Jr.

USA.- 79/85/96 min.- Color.

Terror / Thriller / Slasher

35 mm.- 1.85 : 1

Sonido: Monoaural

Música: Perry Botkin Jr.

FX.: Rick Josephsen, Lynn Maughan, Karl Wesson, Richard N. McGuire, Susan Reyes

Guión: Paul Caimi (Historia), Michael Hickey

Fotografía: Henning Schellerup        

Producción: Ira Barmak, Scott Schneid (Ejecutivo), Dennis Whitehead (Ejecutivo)

Prod. Co.: TriStar Pictures, Slayride

Intérpretes: Lilyan Chauvin (Madre Superiora); Gilmer McCormick (Hermana Margaret); Randy Stumpf (Andy); Toni Nero (Pamela); Robert Brian Wilson (Billy con 18 años); Britt Leach (Señor Sims); Nancy Borgenicht (Señora Randall); H. E. D. Redford (Capitan Richard); Danny Wagner (Billy con 8 años); Will Hare (Abuelo), Eric Hart (Levitt); Max Robinson (Barnes); Oscar Rowland (Dr. Conway); Jonathan Best (Billy con 5 años); Tara Buckman (Madre/Ellie); Geoff Hansen (Padre/Jim); Charles Dierkop (Santa Claus Criminal); Linnea Quigley (Demine)…

En estas fechas tan señaladas me apetecía ver alguna película relacionada con la Navidad que no tuviera nada que ver con la basura habitual que ofrecen los canales de televisión. Encontré en mi videoteca “Noche de Paz Noche de Muerte” y decidí que le había llegado el momento. No me había decidido antes por este film porque las referencias críticas que tenía de ella eran bastante malas pero mira por donde ha sido una sorpresa más que agradable porque colmó de lejos mis expectativas y me parece que con esta obra se ha cometido una gran injusticia relegándola al olvido de las mediocridades carentes de interés.

Billy, en la Nochebuena de 1971 va junto a sus padres y su hermanito de pocos días de vida a ver al abuelo que está recluído en una residencia. Encuentran al hombre en estado catatónico pero en un momento que se queda a solas con Billy se muestra siniestramente expresivo y le advierte de que la Navidad es mala y que Santa Claus castiga a los niños que no se han portado bien.

La noche empeora cuando la familia en el trayecto de vuelta ya entrada la noche se tropiezan por la carretera con un delincuente disfrazado como Papá Noel. Billy quedará traumatizado por esta experiencia.

Cuatro años después somos testigos de las vivencias del chico en una institución religiosa que cuida de niños desamparados. Sufre una dura e injusta represión y la estricta y cruel Madre Superiora le inculca por las malas la idea de que el castigo para el pecado y las malas acciones es bueno y necesario.

Ya con dieciocho años Billy está apto para trabajar. Sor Margaret que tiene cariño por el joven y le trata bien se lo presenta a Mr. Sims, propietario de una tienda de juguetes. Billy trabaja bien y se integra con sus compañeros pero en su interior hay muchos conflictos. Celebrando la Nochebuena corre el alcohol y salen a relucir las bajas pasiones. Los comportamientos de su nueva familia del almacén chocan de pleno con los valores con los que le han venido educando y su frágil equilibrio mental termina por ceder. Vestido como Santa Claus se siente poseído por el personaje y asume que debe castigar las malas acciones.

“Noche de paz Noche de Muerte” es un slasher de libro, gore, colorista y grandguiñolesco. Gamberro, perverso y con un retorcido sentido del humor que recuerda al de Herschell Gordon Lewis o Russ Meyer. Pero es que además está correctamente realizado y se sustenta en una historia sólida que muestra como se va perfilando la personalidad del criminal hasta que empieza su loca carrera de asesinatos.

Arremete contra la Navidad, contra la familia, contra la educación, contra la empresa y la convivencia en el entorno laboral, contra la Policía, contra la juventud… todo esto hace que presenciemos los hechos atenazados por una incómoda sensación de desconcierto ante la manifiesta ambigüedad de todas las situaciones y personajes.

De entrada, el asesino que actua a cara descubierta es guapo y agradable, nos cae bien. Los actos en su mente están justificados pero siembran el terror y la muerte. El actor expresa magníficamente sin hablar sus emociones de rabia y sufrimiento.

Quienes intentan llevarle por el buen camino ya fueran sus padres, las monjas o su jefe solamente consiguen sembrar contradicciones en su mente.

La Policía responde con violencia a la violencia llegando a matar a un inocente. Un momento digno de William Lustig y sus horrores urbanos.

Hay muchas cosas que destacar en el film.

- El encuentro de Billy y su familia con el ladrón asesino ¿no nos recuerda a la experiencia del joven Bruce Wayne? Una situación tan terrible necesariamente alterará para siempre a un niño creando a ¿un psicópata?

- El abuelo, una institución familiar que vuelca en su nieto inocente todo el veneno que lleva acumulando durante su reclusión.

- Las situaciones que se dan en el internado. Mucha santidad pero el asunto de la jodienda no tiene enmienda y salpica.

- La tienda de juguetes. El guionista se muestra hábil mostrando el lado oscuro de todas las cosas que se suponen que han de generar alegría, seguridad y confianza en el entorno infantil.

- Linnea Quigley. No soy un gran fan de esta chica, siempre me pareció muy artificial pero en esta película se muestra particularmente estimulante corriendo de un lado a otro con las tetas al aire.

- Andy, el compañero de trabajo de Billy es el típico fanfarrón malasombra que se cree guapo y siembra de mal rollo el ambiente. La reacción de Pamela cuando Billy la rescata de quien se supone que la estaba violando es por desgracia muy inesperadamente realista.

- Billy haciendo de Santa Claus para los niños. Probablemente no es lo que Mr. Sims esperaba cuando le encargó el trabajo.

- El final, descaradamente abierto a una segunda parte.

Esta película puede presumir de contar con una de las escenas más psicotrónicas de la historia del cine. Cuando Santa que acaba de cometer unos cuantos crímenes se agacha ante una niñita y le pregunta “¿Has sido buena todo el año?”. Nos acojonamos porque como la niña diga que ha cometido alguna travesura sabemos que puede morir, pero ella inocentemente afirma que se ha portado bien. Entonces Billy como regalo le da ¡¡el cúter ensangrentado que lleva en el bolsillo!!.

Probablemente buena parte de la mala fama que arrastra esta película es por haber puesto en cuestión iconos entrañables de las fiestas navideñas. Cuando se estrenó hubieron protestas en la puerta de los cines en los que se proyectaba. La campaña llegó a tal extremo que el film se tuvo que retirar a las pocas semanas. Su edición en video la elevó en poco tiempo a la categoría de cinta de culto. Como curiosidad hay que decir que en el doblaje de la copia que yo he visto los hechos no ocurren en Nochebuena sino en Nochevieja. Sería para evitar herir sensibilidades porque el fin de año es una celebración menos sacramental.

Magnífica banda sonora de Perry Botkin y Morgan Ames con brillantes versiones de villancicos típicos USA, tradicionales y "Doo Wop" junto con algun tema coutry o de reminiscencias soul.

El gore tal vez no sea tan explícito como nos gustaría pero es suficiente y refuerza el impacto de lo que vemos en pantalla.

“Noche de Paz, Noche de Muerte” es muy superior a clásicos del gore ochentero como “Viernes 13” (1980), “San Valentin Sangriento” (1981) o “El Asesino de Rosemary” (1981). Un cuento de Navidad en el que abundan la psicotronia y la mala baba. Imprescindible.

Notas:

- Este film tiene cuatro secuelas y un remake.

- Tri Star Pictures, empresa participada por Coca Cola renunció a su distribución. Su reestreno se produjo tutelado por la revista Fangoria

- No me gusta emplear el término M.I.L.F. pero no me viene a la mente otra cosa cuando pienso en la actriz Tara Buckman que interpreta a la madre de Billy. Su carrera como actriz se desarrolla entre 1965 y 1994. Se prodigó como secundaria en series de televisión y en films típicamente USA con Burt Reynolds y no consiguió su primer papel protagonista hasta que se fijó en ella ¡Joe D´Amato! para un thriller erótico “El Cafe del Angel Azul” (1989). Después vendrían “Non aprite quella porta 3” (1990), “The Marilyn Diaries” (1990) con Marilyn Chambers (necesito ver esta película), “High Finance Woman” (1990) otra vez con D´Amato, y “Xtro 2: El segundo encuentro” (1990). Que estas cinco películas se rodaran en dos años puede ser indicativo de su calidad pero a veces este detalle es secundario. En 1995 esta sorprendente mujer trabajó como especialista en escenas de riesgo en la producción para video “Viaje al infierno” con Tía Carrere.

- Charles Dierkop, el actor que se esconde detrás del primer Papá Noel asesino es un “malo” muy característico de TV que podemos ver en “La matanza del día de San Valentín” (1967), “Dos hombres y un destino” (1969), “El golpe” (1973), “Los Chiflados del Oeste” (1981) film necesariamente reivindicable, “Grotesque” (1988), etc. Sigue en activo.

Calidad Cinematográfica:  7

Psicotronia:  8

Gore:  7